Ya les he comentado varias veces que la etapa mexicana del Benny está prácticamente por estudiarse, con el detalle singularísimo que, hace muy poco y solo por intermedio de su viuda mexicana, pudimos saber que lo de Benny es por su admiración especial por el músico norteamericano Benny Goodman.

Lino Verdecia tiene un enjundioso trabajo sobre el Benny bolerista, en el que muestra las características significativas del Bárbaro en ese género, y su pluma plasma también que en tierras aztecas el de Santa Isabel de las Lajas adquirió allí los elementos profesionales que lo llevaron al estrellato.

Escuchen lo que el nos cuenta… De la trayectoria del Benny, es bastante conocida su etapa trashumante. Con menos de quince años, la humilde pobreza familiar provocó que desde Santa Isabel de las Lajas fuese a Vertientes para unirse con su madre. Allí, realizaría muy modestas faenas, pero también se vincularía decididamente con la música, algo que ya germinaba en él desde su infancia.

Luego de integrar efímeras agrupaciones, el próximo espacio para vivir sería La Habana y en ella se radicó justo cuando ya cumplía 21 años. La dura vida del aspirante a músico lo convirtió en uno de los tantos musiqueros, que la gran ciudad veía frecuentar los más disímiles lugares donde poder descargar y hacerse escuchar, hasta que fue a dar a las filas del conjunto de Miguel Matamoros, quien ya sí era por entonces una figura relevante en toda la cuenca del Caribe y en buena parte de los EE. UU.

Los 26 años Benny los cumpliría en México como voz prima del Conjunto Matamoros porque en junio de 1945 comenzaría allí su primer itinerario, y, cantando no solo con esa agrupación, daría inicio a lo que se puede calificar como la leyenda viva de Benny Moré.

Y aunque ya en Cuba había grabado dos boleros, Mexicanita veracruzana, de Rafael Enrizo, y Seré dichoso, de Ramón Dorta, allá tendría oportunidad para realizar 84 grabaciones de las que 15 son ubicadas en el género que nos ocupa. Independientemente de sus capacidades para guarachas, sones, mambos y porros, el bolero había centrado su interés expresivo, y entre los que grabó dos fueron de su autoría: Todo lo perdí  de 1948 y Desdichado  de 1951.

Durante la estadía mexicana, Benny Moré actuó en los más variados escenarios y cantó y grabó, sin pertenecer oficialmente a ellas, con las orquestas de Mariano Mercerón, Humberto Cané, Armando Núñez, Dámaso Pérez Prado, Rafael de Paz, Chucho Rodríguez, Lalo Montané y hasta con un denominado Conjunto de Benny Moré.

Para hacer justicia, he creído siempre que ahí nació la primera leyenda de Benny Moré, la que le correspondió en vida; la segunda, la eterna, llegó con su prematuro fallecimiento en 1963. Merece señalarse que, además de ser los primeros boleros suyos que grabó, Desdichado se considera la primera de todas sus composiciones, nunca grabada en Cuba y se dice data de antes de cumplir los 20 años.

Desde el primero de sus boleros el Benny plasma una de las dos más fuertes temáticas del género: esa que hace directa alusión al olvido, el engaño y la deslealtad de que ha sido víctima el compositor. Así se muestra en Todo lo perdí; tras iniciar su primera estrofa con dos interrogantes, que más que presentir enuncian un sentido quejumbroso y resentido, va hacia una segunda donde manifiesta las causas de ese estado anímico donde es razón máxima “la traición de una mujer”. 

Sin embargo, asumiendo que Desdichado es el segundo bolero de su autoría que grabó, pero que fue realmente su primera composición, es fácil observar cómo están presentes motivos que serán recurrentes en temas que utilizará en años por venir, como denominar crucigrama a su vida, la fatalidad, la pérdida de fe en el amor y la imploración ante Dios. Este es el Bárbaro a dúo con Lalo Montané y la Orquesta del santiaguero Mariano Mercerón, Desdichado…

Pero no puedo perder la ocasión para que también disfruten de un tema que el Benny grabó en México con Pérez Prado y las hermanas Gaona, su preferido pero que jamás volvió a hacer, Dolor carabalí.

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Era Héctor Téllez, de quien recordé ha estado muy poco en este espacio y no debía ser. Héctor, muy popular por varias vías y que precisamente cumple 78 años, nació en Placetas y a los trece se inició como cantante y guitarrista en un trío local. Por cierto, esa actividad la intensificó mucho y ya en la capital le sirvió de trampolín para su carrera.

Fue su presencia en el trío Voces de Oro lo que le dio a Meme Solís los elementos suficientes para incorporarlo a su cuarteto y en esa nueva fase Héctor apartó su excelente voz de falsete, educada por un excelente maestro como fue Francisco García Caturla.

Con Los Meme vivió días inolvidables y ya como solista aportó temas hoy clásicos como el que acaban de escuchar, Vive, Me preguntarás, Viviré soñando y otros temas que tienen un buen lugar en el recuerdo.

Con una buena afinación, una destacada coloratura en su voz y una gran selección de sus temas, Téllez ha logrado un variado repertorio donde la canción romántica y el bolero son elementos primordiales.

Con estos valores ha estado presente en los más importantes centros artísticos del país, viajado con numerosas delegaciones y participado en una buena cantidad de festivales musicales.

Ya les mencionamos los valores de Héctor Téllez como cantante, pero también debemos significar los que posee como autor. Búscame es un tema propio que colocó en lo más alto de la popularidad, cosa que también consiguió con Vive…

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Allá por los días de la invasión musical europea entre nosotros, de España nos llegó un cantante que mucho prometía y con solo un tema consiguió estar presente de manera constante en nuestros medios, Daniel Velázquez.

Muchos años después nos enteramos que en realidad era Ceferino Feito y Becerro de Bengoa, nacido en Madrid el 4 de junio de 1945 y muerto en la propia capital española el 10 de mayo de 2022​, reconocido artísticamente como Daniel Velázquez, cantante, productor y empresario musical.

Sus inicios fueron en el pop a comienzos de los años sesenta liderando el grupo Cefe y Los Gigantes, y posteriormente iniciando una carrera como cantante de canción melódica de la mano de Maryní Callejo, la recordada productora de Los Brincos y Fórmula V, entre otros.

Su primer éxito como solista fue el único que le conocimos aquí, Vamos a pensar en nosotros, en 1968. Ese mismo año tuvo suerte con el tema En un rincón del mundo y en el 69 la canción Palabras, compuesta por Juan Pardo, tuvo un éxito relativo y con ella fue preseleccionado para representar a España en Eurovisión. En 1976 volvería a participar en el programa de selección de España a Eurovisión.

Tras unos años más se retiró a los 33 años, entrando en el equipo municipal del Ayuntamiento de Madrid de la mano de José Luis Álvarez para crear el Concurso de Rock Villa de Madrid.

Más adelante dirigió algunas discotecas, fue director del Centro Hispano-Rumano de Alcalá de Henares, ejerció de músico, siguió como compositor para otros solistas y grupos, para también lograr un buen desempeño como productor. Ya.

O sea, vamos a pensar en nosotros es también un lindo recuerdo en su carrera.

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En 1947, Cabrera tiene la suerte de enrolarse con el entonces novel pianista Aldemaro Romero, quien con el correr de los tiempos se transformaría en el más sobresaliente músico venezolano de la segunda mitad del Siglo XX y su lanzamiento profesional ocurrió en 1949.

Además de cantante, Héctor fue un destacado comunicador social, actor de cine y televisión y un sobresaliente animador de espectáculos televisivos. En posesión de un buen cartel, él realiza en 1958 sus primeras giras al exterior que le llevan a Puerto Rico y Colombia y en 1960 el empresario discográfico José Pagés promotor del sello discográfico “Velvet”, lo presenta en Cuba.

Aquí registra la polka paraguaya “El pájaro chogüí”, cuya autoría corresponde al autor argentino Guillermo Edmundo Breer, conocido internacionalmente como “el Indio Pitagua”. Gracias a sus triunfos en Cuba, la gira se extiende a México, Estados Unidos y a varios países de Europa.

Recuerdo perfectamente de mi niñez el alboroto nacional que provocó ese Pájaro Chogüí, conocida en  1945. La canción hace alusión al celestino o chogüí y es una de las polkas paraguayas más interpretadas internacionalmente a través del arpa paraguaya e instrumentos andinos. Breer publicó su obra bajo el seudónimo de Pytaguá (extranjero en guaraní).

Fue tanto lo del Pájaro Chogui entre nosotros que una popular orquesta de la época grabó El Pájaro Totí, chachacha que clamaba el berrinche del ave criolla porque ya nadie le echaba la culpa de nada… por culpa del Choguí. Héctor Cabrera después hizo una espléndida carrera como cantante de tangos en la Argentina.

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Como es lógico la cantidad fue mayor en tierras sudamericanas, por lo que de allí nos llegó mucha música y, lo que fue mejor, la presencia entre nosotros de varios grupos de alta calidad y exquisita factura.

Supongo que ese haya sido el factor fundamental para que en esos años aquí nacieran varias agrupaciones dedicadas a ese empeño, lo que fue la semilla fundamental para que en esta Isla se crearan Moncada, Mayohuacán o Manguaré.

Manguaré fue fundado inicialmente en 1971 con seis integrantes y, bajo el apoyo del compañero Fidel y aprovechando la visita a Cuba de la banda chilena Quilapayún, se instó a la nueva agrupación a viajar a Chile por seis meses para el estudio de los instrumentos y los cantos tradicionales. Allí grabaron y conocieron a sus más altos exponentes.

Pero el lenguaje musical y tímbrico del grupo se hizo extemporáneo, además que entre nosotros la presencia del ritmo es factor principal, por lo que decidieron incluir piano eléctrico, sintetizador, además de electrificar el bajo y el tres por razones de equilibrio sonoro.

A la vez, su repertorio comienza a centrarse en el son cubano, tengo la sospecha que por Pancho Amat, con una visión nueva tanto en la interpretación como en su estructura, proponiendo retomar el sonido del conjunto de Chappottín con un estilo sonero «a lo Manguaré».

Los años ochenta fueron quizás su periodo mas fructífero, pues en los concursos Adolfo Guzmán la presencia de la agrupación fue constante y exitosa, con temas de todas las magnitudes y para el recuerdo eterno.

Es muy interesante que este hermoso tema tiene una fuerte presencia de la música que hacían en sus comienzos, pero aquí ya Manguaré había desarrollado muy bien sus intereses musicales y el son cubano, el más sublime para el alma divertir, había encontrado una tremenda actualidad.

Manguaré encontró lo suyo y lo mostraron… Apúntenlo. El nombre de la banda se debe al manguaré, instrumento precolombino utilizado por los indígenas de la Amazonia.

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King ha ganado cuatro premios Grammy y ha sido incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll y en el Salón de la Fama de los Compositores por su trabajo junto con su compañero Gerry Goffin. Junto a él, escribió más de dos docenas de éxitos para numerosos artistas y además ha coescrito más de 118 éxitos del pop en el Billboard Hot 100 y, según Joel Withmore, es la compositora más exitosa entre los años 1955 y 1999.

Desde 1999 varios senadores estadounidenses y una buena cantidad de miembros de la Cámara de Representantes han visitado Cuba, coincidiendo con esfuerzos parcialmente exitosos en el Capitolio para aliviar o eliminar las restricciones al comercio y los viajes entre los dos países.

En febrero del 2002, los representantes demócratas Sam Farr, Mike Thompson y Bob Filner integraron una delegación, que también incluyó a representantes de las industrias del arroz y el vino de California y a Carole King, una residente de Idaho que pasa gran parte de su tiempo en California.

En aquel momento, la delegación cenó con el compañero Fidel en el Palacio de la Revolución, en una jornada que se extendió desde las 9 de la noche del domingo hasta aproximadamente las 4:30 de la mañana del lunes. Durante la comida la King dio un pequeño concierto, pues aprovechó el momento para interpretar una nueva canción El amor hace el mundo.

«Mis canciones eran un mensaje que quería traer a La Habana», dijo Carole King, quien celebró su 60 cumpleaños en la capital cubana. «Vine aquí para aprender porque mi vida, mi trabajo, tiene que ver con la comunicación. Deberíamos dar ejemplo de buena voluntad».

De todas formas, ella aprovechó la ocasión para acercarse al piano y dedicarle su gran éxito You got a friend, tienes un amigo a Fidel Castro.

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Juanito aprovechó la ocasión y le hizo una entrevista a Blades, que al regresar a Cuba anunció en el propio aeropuerto que el primer beneficiario de su interés sería yo. Imaginen mi alegría cuando alguien que cubrió la llegada a esta isla de Los Van Van me saludo diciéndome simplemente que tenía el dos.

Se hizo un amplio programa con ella, donde conocimos que Blades había estudiado la obra de Formell desde los días con la Revé y lo mucho que lo había ayudado en su carrera. Por eso cuando vi a Rubén en vivo en el Anfiteatro de la capital mexicana, la emoción me invadió al escucharle cerrar el concierto diciendo “de mi hermano Juan Formell” para atacar de inmediato con su versión de Anda ven y muévete.

Rubén Blades estuvo en La Habana en marzo del 79 como parte del Havana Jam pero yo me lo perdí, algo que siempre voy a lamentar. Tiempo después me topé con un video de Los Van Van en unos carnavales panameños, donde ambos coincidieron y Blades aprovecha para relatarle al público el encuentro de los dos en tierras hispanas. Inolvidable.

Por eso, no es de extrañar que en el disco de 1992 Amor y Control, para mí uno de los mejores de su carrera, el panameño tiene un tema que evidentemente es su homenaje a la obra de Formell y a lo que lograron con su orquesta. Es puro Van Van a la manera de Rubén Blades.
¿Lo dudan? Bueno, pues aquí está El Cilindro…

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En 1943, Paco Miller lo unió a su compañía artística en México, y posteriormente lo bautizó como Tin Tan, lanzándolo al estrellato.

Su grabación más famosa fue la canción «Bonita», de Luis Arcaraz, quien él mismo alguna vez declaró que la mejor interpretación de su obra se la debía al cómico Pachuco. La canción es interpretada por el gran comediante en la película Músico, poeta y loco.

Vamos a recordar hoy a Tin Tan con un tema muy folklórico, sacado directamente de las costumbres cotidianas mexicanas, que aún hoy se mantienen con suprema dedicación.

Pero antes tengo que explicarles algo… En México, el concepto de pan es distinto al nuestro. Lo que para ellos es pan es para nosotros algo así como pan de gloria o cofee cake, pero menos dulce y sin adornos. De todas formas, es algo dulce que se vende todos los días por las calles en triciclos, pero en mis días allá nunca lo vi hacerlo en carros.

Allá lo que para nosotros sería pan en México se le conoce como bolillo, telera, chapata o baguette. No pida allí pan porque le van a dar un dulce… por cierto todos excelentes.

Pero el programa de hoy es para recordar a Tin Tan…

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Ahora es un viejo tema de Los Zafiros que, a pesar de en su momento gozar de gran popularidad, no es de los más atractivos en su repertorio y hoy no disfruta de la presencia constante cada vez que se trabaja al muy recordado cuarteto habanero.

Se trata de Por no comprenderte, canción de Oscar Aguirre, el primer Manuel Galván, o sea el primer guitarrista de la agrupación, que con este integrante consiguió sus primeros momentos de gloria, pues fue el autor de sus primeros hits.

Lamentablemente, Aguirre tenía otros planes y en los primeros días de Los Zafiros, cuando ya habían alcanzado los primeros escalones del estrellato, salió del grupo y en ese instante fue una baja muy sensible.

No sé si Oscar Aguirre alcanzó fuera de Los Zafiros lo que aquí se veía venir, pero en lo que respecta al cuarteto consiguieron, aún no se cómo, a Manuel Galván y este se encargó de consolidar la carrera de los muchachos.

De todas formas, Oscar Aguirre tiene un lugar importante en la historia de ellos y sus canciones cumplen su papel. Ellas todavía motivan a los fanáticos, como ahora le sucedió a mi mujer con este lindo tema para el recuerdo… Por no comprenderte.

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Una voz tan autorizada como la de Miguelito Cuní dijo de Roberto Faz: «Hombre, amigo, compañero, como sonero, extraordinario. Fue el primer blanco en cantar sones».

Y otra tan importante como la Tito Gómez, sentenció: «El mejor sonero blanco que dio Cuba».
Con apenas trece años, Roberto Faz empezó como vocalista en el sexteto Champán Sport en Guanabacoa. Después probó suerte en distintos grupos, hasta que en 1930 es integrado a la Orquesta Ultramar, dirigida por su padre, pero tuvo que dedicarse también a camarero y conductor de autobús.

En mayo de 1944 se integró en el popular Conjunto Casino, dirigido por Roberto Espí, y en el junto a Agustín Ribot realizó múltiples grabaciones y giras por el Caribe y México. Recuerdo que en Panamá me lo recordaron con absoluta nostalgia.

En 1956 formó Roberto Faz y su conjunto, compuesto por unos once músicos, con una sección de cuatro trompetas, apegada a la tradición y el estilo que creó Arsenio Rodríguez.

Entre sus temas más recordados están: «Píntate los labios, María», «El pregón de la montaña», «El retozón», «Suena tu bongó», «Oiga compadre» y «Te traigo mi son». Pero nuestro oyente pide un bolero y que clase de bolero. Uno de los más significativos del catálogo cubano.

En 1947 Roberto Faz grabó Comprensión, compuesto por Cristóbal Dobal, a la sazón el bajista del Casino, y el tema se convirtió en un éxito total. Claro, es evidente el sentido carácter muy personal del asunto, lo que lo hizo sensibilizar a muchos corazones y por supuesto estar presente en la mayoría de las victrolas cubanas.

Aquí está Comprensión, en la grabación original que Roberto Faz hizo en 1947 con el Conjunto Casino…
Y aquí está la que hizo con su conjunto casi 20 años después, mostrando su timbre de siempre.

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Cepeda nació en una familia pobre y su padre, Pedro Perucho Cepeda, fue un jugador de béisbol lo que influenció en su interés desde edad temprana. Su primer contacto con ese deporte fue cuando era cargabates para los Cangrejeros de Santurce y Pedro Zorilla, el dueño del equipo, convenció a su familia para que fuera a una prueba de aptitud con los Gigantes de New York, equipo que después se mudó a San Francisco.

En el 58, su primera temporada, Cepeda tuvo un promedio de bateo de 312 con 25 home runs y 96 carreras empujadas, siendo líder de la Liga Nacional en dobles con 38. Fue seleccionado de manera unánime como «Novato del Año», convirtiéndose en el segundo jugador en recibir este premio de esa manera, solo después de Frank Robinson.

En ese año yo solo tenía nueve y junto a todo el piquete del barrio nos emocionamos con el puertorriqueño, queriendo algún día llegar a tener una carrera de esa magnitud.

Muchos, muchísimos años después, el timbre del teléfono me despertó bien temprano en una mañana de la capital boricua. Era mi amigo Oswaldo Gil con la invitación de ir a conocer personalmente a Orlando Peruchín Cepeda y por supuesto entrevistarlo.

El camino fue largo y lo aproveché para recordar aquellos días de mi infancia y compartir con Oswaldo la carrera del puertorriqueño. En 1978, Cepeda fue sentenciado a cinco años de cárcel por posesión de drogas, de los que solo estuvo encarcelado 10 meses y el tiempo restante estuvo en libertad bajo palabra.

En este momento, la primera mitad de los 90, había una intensa campaña para ayudarlo a ingresar al Salón de la Fama, elemento que al fin consiguió por el Comité de Veteranos en 1999.

Yo me relamía de gusto para disfrutar de una intensa charla beisbolera y cuando llegamos al lugar, un hotel de San Juan, Cepeda conversaba animadamente con una persona de espaldas a nosotros. Oswaldo quiso darle una sorpresa y por eso nos quedamos detenidos sin avisar. Lo que escuché me asombró: estaba dando una espléndida charla de música cubana y en ese preciso instante hablaba con emoción de una magnífica cantante… Celina González.

El padre de Peruchín, Perucho Cepeda, fue considerado como uno de los mejores jugadores de béisbol de su generación. Lo vio jugar por primera vez en 1946 y se interesó de inmediato en el deporte, por lo que muchos de las Ligas Negras visitaron su casa y eso influyó inmensamente en su visión del deporte. Todo eso lo convirtió en un fan de Orestes Miñoso, siguiendo su carrera en la Liga Cubana, las Ligas Negras, las Ligas Mayores de Béisbol y el Caribe.

De su padre, Peruchín adquirió también la posibilidad de disfrutar de una enorme y valiosa colección de discos de música cubana, lo que provocó su gran afición por lo nuestro.

Finalmente el encuentro duró más o menos una hora y en ningún momento se habló de pelota. Imagínense ustedes. Ya para despedirme, Orlando Peruchín Cepeda me insistió en que cuando llegara a Cuba de ninguna manera olvidara el saludo para sus amigos del Grupo Síntesis, gente buena de verdad.

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En efecto, hermano, Rubén Blades toma prestado aquí esta frase de una canción que fue muy popular en los sesenta, más exactamente de 1965, Acompáñame, que aquí nos llegó en la primera hornada de la invasión musical europea a través del dúo ocasional que conformaron Rocío Dúrcal y Jaime Morey.
Acompáñame es también el tema de la película del mismo nombre.

De Rocío Dúrcal, ustedes conocen todos sus pormenores, incluso, que ya no está con nosotros, pero Jaime Morey es hoy un ilustre desconocido, víctima de las características muy especiales de cómo llegaba la música a la isla en aquellos días.

Jaime, nacido en Alicante el 16 de junio de 1942, fue un cantante y productor musical, que representó a España en el Festival de Eurovisión de 1972. Nació en el seno de una familia acomodada, pues su padre era director de la Fábrica de Tabacos de Alicante y su mama profesora de piano.

En 1964 se presentó en el Festival de Benidorm, consiguiendo el segundo puesto, por lo que comenzó a aparecer en programas radiales y televisivos. Poco después con Rocío Dúrcal grabó Acompáñame y en 1967 volvió a Benidorm para alcanzar el premio del público. El mayor éxito de su carrera fue Negra paloma, tema que entre nosotros se escuchó pero no en su voz.

Después de su paso por Eurovisión, Morey fue uno de los primeros artistas españoles en ofrecer recitales en la llamada Europa del Este. A finales de 1970 estableció su residencia en México y actuó en varias telenovelas. Regresó a España en 1982 y en 1987 se retiró de los escenarios para dedicarse a la producción de espectáculos.

Jaime Morey se vio envuelto en un escándalo financiero ocurrido en 2001 del que más tarde se demostró su inocencia y el 7 de julio de 2015 falleció en Madrid víctima de un cáncer a los 73 años. Hoy, no estoy totalmente seguro, pero creo que esto fue lo de lo poco que de él aquí escuchamos… y con Rocío Dúrcal.

La segunda petición de este oyente es una de las que más me satisface, de las que integra mis dos amores fundamentales, la música y el deporte, y la que me confirma una vez más que lo único mejor que la música es….

El amigo me pregunta si es verdad que Bobby Hatfield, conocido principalmente por ser miembro del dúo The Righteous Brothers e intérprete de Melodía Desencadenada, el tema principal de la película Fantasma, pudo hacer carrera como pelotero.

Robert Lee Hatfield nació en Wisconsin y se trasladó con su familia a Anaheim, California cuando tenía cuatro años. Se graduó en 1958 en el instituto de Anaheim, donde formó parte en el coro de la escuela y jugó béisbol, considerándosele como un futuro jugador profesional, pero su pasión por la música lo llevó a dedicarse al canto mientras que todavía asistía a la escuela secundaria.

Finalmente, encontró a su futuro compañero en Righteous Bros, Bill Medley, mientras asistía a la Universidad Estatal de California, amistad que solo la muerte de Hatfield terminó.

Melodía desencadenada es una canción de 1955 con música de Alex North y según algunos recuentos ha generado más de 500 versiones en cientos de idiomas diferentes.

En 1955, el autor la usó como tema para la película Unchained (Encadenado), de ahí el nombre, cantada por Todd Duncan. Les Baxter lanzó una versión instrumental, que yo bailé en muchos quinces, y después siguieron cientos de otras grabaciones.

La canción recuperó popularidad cuando Phil Spector produjo otra versión en 1965, acreditada a Righteous Brothers, pero en realidad interpretada como solista por Bobby Hatfield.

Y esta versión de julio de 1965 fue la que se convirtió en un enorme éxito a finales del siglo XX, recuperando su gran popularidad cuando se usó en la exitosa película de 1990 Ghost.

Hatfield estudió y jugó beisbol en Anaheim, donde también hoy está envuelto el actual monstruo de la Grandes Ligas el japonés Shohei Otani. Sería mejor. Lo que seguro es difícil de superar esa espléndida voz, para suerte nuestra.

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