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Un nacimiento con propósito

Orígenes surgió en 2019 como una propuesta para rescatar técnicas artesanales tradicionales y contemporáneas, integrando a amas de casa, profesionales y creadores en la elaboración de objetos utilitarios y decorativos con materiales reciclados.

La líder del proyecto e instructora de la Casa de Cultura, Anisley Reyes comentó que lo que comenzó como una unidad artística evolucionó rápidamente hacia una red comunitaria de apoyo, donde el arte se convierte en herramienta de sanación, empoderamiento y transmisión del patrimonio cultural inmaterial.

La propuesta de Orígenes se distingue por su enfoque ecológico y social. Sus integrantes transforman recursos descartados —chapas de latas, discos, periódicos, retazos textiles, foami— en piezas de valor estético y funcional: aretes, tapetes, macetas, llaveros, joyeros, carteras y accesorios para el hogar.

Orígenes hoy integra a 12 mujeres y 3 hombres que han roto estereotipos de género en la artesanía y construido un espacio de pertenencia. Para muchos, el proyecto es refugio emocional.

Talleres que multiplican el impacto

La labor de Orígenes trasciende la producción artesanal. El proyecto ofrece talleres gratuitos abiertos a niños, adultos, personas mayores, estudiantes, niños autistas y usuarios de escuelas especiales y centros hospitalarios. Las técnicas impartidas incluyen: grabado y estampación en textiles; artesanía con papel y materiales reciclados, cerámica fría y crochet, e impresión artesanal. 

Estos espacios formativos buscan transmitir el patrimonio cultural a nuevas generaciones y fomentar un gusto estético arraigado en la identidad local.

La entrada Orígenes: Proyecto que teje identidad y esperanza en Holguín se publicó primero en Radio Rebelde.

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El Festival Internacional de Documentales Santiago Álvarez in Memoriam (FIDSA) surge tras la muerte del cineasta en 1998, como iniciativa del Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) y la Dirección Provincial de Cultura de Santiago de Cuba.

Desde entonces, cada edición busca rendir tributo a su legado y, al mismo tiempo, ofrecer un espacio para que documentalistas nacionales e internacionales compartan sus visiones sobre la sociedad, la cultura y los conflictos contemporáneos.

Lo que distingue al festival es su vocación de resistencia cultural: se centra en obras que visibilizan lo silenciado, que narran desde la perspectiva de los pueblos y que exploran la diversidad de miradas sobre la realidad. En sus más de veinte ediciones, ha reunido a cientos de realizadores y ha convertido a Santiago de Cuba y La Habana en epicentros del pensamiento documental.

 ¿Quién fue Santiago Álvarez?

Hablar de Santiago Álvarez es hablar de un hombre que convirtió la cámara en un arma de denuncia y la edición en un lenguaje propio. Nació en La Habana en 1919 y, aunque su formación inicial no fue estrictamente cinematográfica, encontró en el documental un espacio para expresar su compromiso político y social.

Álvarez fue un creador inquieto, irreverente y profundamente conectado con su tiempo. No se conformaba con registrar imágenes: las transformaba en discursos visuales que sacudían conciencias. Su estilo rompía moldes, mezclando fotografías, titulares de prensa, música popular y material de archivo en un montaje vertiginoso que parecía dialogar directamente con el espectador.

Su obra se caracteriza por:

• Innovación en el montaje: fue maestro en el uso creativo de la edición, combinando imágenes de archivo, fotografías y música para construir narrativas poderosas.

• Uso de la banda sonora: integró canciones populares y sonidos de manera disruptiva, convirtiendo la música en un elemento narrativo central.
• Compromiso político y social: sus documentales abordaron temas como la lucha contra el imperialismo, la solidaridad internacional y las injusticias sociales.
• Obras emblemáticas: títulos como Now! (1965), que denuncia el racismo en Estados Unidos, o 79 primaveras (1969), sobre la vida y muerte de Ho Chi Minh, son referentes universales del cine político.

Su influencia trascendió fronteras: fue premiado internacionalmente y formó a generaciones de cineastas cubanos, dejando una huella profunda en la cultura audiovisual mundial.

El Festival Internacional de Documentales Santiago Álvarez in Memoriam no es solo un homenaje a un cineasta excepcional, sino también un laboratorio cultural vivo, donde se cruzan miradas diversas sobre el mundo. En tiempos de saturación mediática, este evento recuerda la importancia del documental como género que informa, emociona y transforma.

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El changüí, nacido en las plantaciones de caña y café del siglo XIX, representa la célula genuina del son cubano y uno de los tesoros sonoros mejor conservados de la Isla.

A diferencia de otros géneros que se urbanizaron y transformaron, el changüí ha sabido mantener su esencia rural sin perder vitalidad, reinventándose hoy mediante fusiones con jazz, rap y propuestas contemporáneas que lo proyectan hacia nuevas generaciones sin traicionar sus raíces.

Sus cimientos se asientan en cinco instrumentos fabricados artesanalmente mediante técnicas transmitidas de padres a hijos: el tres —pequeño gigante de cuerda que guía la melodía con improvisaciones audaces—; el bongó de monte, más corpulento que su pariente urbano y dotado de acentuaciones que recuerdan al quinto rumbero; la marímbula, que aporta el bajo rítmico que mueve caderas y pies; el guayo, de raspadura metálica que sostiene el pulso; y las maracas, que cierran el círculo sonoro con su vibración ancestral.

Su estructura musical se despliega en dos momentos mágicos: la copla, donde el grupo canta al unísono presentando el tema, y el montuno, espacio privilegiado para la improvisación del solista y el diálogo con el coro, todo bajo el compás 2/4 que define su cadencia inconfundible y bailable.

Durante décadas, el changüí se cultivó en fiestas interminables donde bastaba la presencia de un tresero para desatar jornadas de jolgorio que se extendían por días enteros.

En esas celebraciones campesinas, los músicos competían entre sí mientras se asaban puercos, se freían bacalaos y las hamacas bajo los árboles ofrecían descanso momentáneo a los bailadores exhaustos.

Las festividades comenzaban en Nochebuena y no concluían hasta que alguien proponía trasladar la alegría al bohío del compadre vecino. Este espíritu comunitario encontró su institucionalización en 1983, cuando se celebró el primer Festival Municipal del Changüí en el Consejo Popular de Felicidad, con sede en la casa de Eduardo Goulet Lestapier, «Pipi», figura fundamental que dio origen a la Casa del Changüí: santuario vivo donde changüiseros de toda la región se reúnen para defender un legado que trasciende lo musical y se erige como forma de vida.

El 12 de octubre de 2018, el Consejo Nacional de Patrimonio Cultural declaró oficialmente al changüí Patrimonio Cultural de la Nación en un acto simbólico realizado en la Loma del Chivo, enclave histórico del género en Guantánamo.

Este reconocimiento no solo blindó al changüí contra la amenaza del olvido, sino que garantizó su visibilización como elemento esencial de la identidad cubana.

La declaración representa un compromiso ético con la preservación de uno de los géneros más auténticos y antiguos de la música insular, cuya fuerza radica precisamente en haber sobrevivido sin perder su carácter festivo y popular.

Su panteón de exponentes es vasto y diverso. Desde los pioneros Arcadio Dubois, Juan Loga y José Chenco, hasta maestros como Chito Latambé —virtuoso del tres cuya técnica influyó en generaciones— y Antonio Cisneros «Ñico Ya», leyenda del bongó cuya destreza era legendaria. Eduardo Goulet «Pipi», coronado como el rey del changüí en Yateras, lideró el Grupo Estrellas Campesinas, baluarte del género en la región.

No pueden omitirse figuras como Asunción Gainza, tresera que competía con los mejores hombres de su tiempo; María Guevara, asombrosa bongosera; Roberto Bauta, autor del emblemático «El Guararey de Pastora»; y la singular bailadora Evelia Noblet.

Pero ninguna figura proyectó internacionalmente este ritmo como Elio Revé, percusionista y compositor guantanamero coronado como el «Rey del Changüí», quien fusionó sus raíces con propuestas innovadoras que llevaron el género a escenarios habaneros y del mundo entero.

Hoy, la antorcha la sostienen Celso Fernández, el guajiro de voz inconfundible «Mikiki» y Ariel Daudinot «El Zorro», quienes aseguran que en cada rasgueo del tres seguirá latiendo el alma buena de la gente de campo cubana.

El changüí no es un museo sonoro: es un río vivo que fluye desde las montañas guantanameras hacia el corazón de Cuba y más allá. En cada nota resuena la historia de un pueblo que transformó el trabajo forzado en alegría, la pobreza en creatividad y el aislamiento geográfico en riqueza cultural.

Mientras haya quien rasgue un tres bajo el sol del oriente, el changüí seguirá siendo —como escribiera un cronista anónimo— «un pedacito del alma de Cuba que late con fuerza y nos invita a sentir su ritmo en cada acorde». Porque defender el changüí no es solo preservar un género musical: es proteger la cubanía misma.

La entrada Podcast Encuentro: El Changüí y su autencididad se publicó primero en Radio Rebelde.

Sobre este tema compartimos en este nuevo episodio del Podcast Encuentro:

El nacimiento de La Edad de Oro

En julio de 1889, desde su exilio en Nueva York, Martí decidió emprender un proyecto radical para su época: crear una revista escrita directamente para los niños. No se trataba de un simple compendio de cuentos o moralejas simplistas, sino de una obra que respetara la inteligencia del niño, alimentara su imaginación y sembrara en él valores como la justicia, la belleza y la libertad. Aunque solo se publicaron cuatro números entre julio y octubre de 1889, su impacto ha sido eterno. 

En el “Prólogo–Índice” de “La Edad de Oro”, Martí escribió una de las reflexiones más bellas sobre la infancia: 

 “Quiero que el niño sea hombre natural, y no hombre precoz. Quiero que sepa amar antes que conocer; que sienta antes que pensar.” 

Esta visión rompía con la idea predominante de la época, que veía a los niños como “adultos en miniatura”. Para Martí, la infancia era un estado sagrado, un tiempo de asombro, juego y descubrimiento, pero también de formación moral. Su enfoque innovador radicaba en hablarle directamente a los niños, con respeto y sin condescendencia, utilizando un lenguaje claro pero poético, lleno de imágenes que invitaban a soñar. 

Contenido y estilo de La Edad de Oro 

La Edad de Oro era una obra multifacética que incluía cuentos originales, biografías de figuras históricas (como Juana de Arco y Napoleón), descripciones de culturas lejanas (desde Japón hasta Arabia), poemas, fábulas y reflexiones sobre la naturaleza y los animales. Cada texto estaba impregnado de una profunda visión ética. Martí no buscaba formar soldados, sino ciudadanos libres, sensibles y justos. 

Uno de los rasgos más destacados de su estilo es el uso del lenguaje. Aunque escribía en prosa, sus textos latían como poesía. Usaba metáforas accesibles, ritmos suaves y palabras que resonaban emocionalmente. Por ejemplo, en el cuento “Los zapaticos de rosa”, describe los zapatos de una niña como “dos rosas que andaban”. Este tipo de lenguaje visual, musical y emotivo conectaba directamente con los lectores más jóvenes. 

Otra característica distintiva es la ausencia de moralejas explícitas. En lugar de dictar lo que está bien o mal, Martí presentaba situaciones que invitaban al lector a reflexionar. Un ejemplo es el relato “Napoleón y el niño italiano”, donde un emperador poderoso humilla a un niño, quien responde con dignidad. La enseñanza moral no está en un sermón, sino en la acción misma. 

Además, Martí mostraba un cosmopolitismo notable para su época. En pleno siglo XIX, cuando el racismo y el eurocentrismo dominaban incluso la educación, él introducía a los niños en culturas no occidentales con admiración. Hablaba de los árabes como “gente de honor”, de los japoneses como “maestros del arte y la paciencia” y de los pueblos indígenas americanos con respeto. 

El legado de Martí en la cultura cubana y más allá

Martí no separaba la infancia de la patria. Para él, la verdadera patria no eran banderas ni himnos vacíos, sino justicia social, respeto por la naturaleza y amor al prójimo. Creía que estos valores debían sembrarse temprano, en los corazones de los niños. 

Su visión permeó la educación cubana durante el siglo XX. Durante la Campaña de Alfabetización de 1961, muchos maestros llevaron consigo fragmentos de “La Edad de Oro”. Hoy, en las escuelas cubanas, sus cuentos se leen no solo como literatura, sino como guías éticas. Más allá de las instituciones, Martí vive en la manera en que muchos cubanos —padres, abuelos, maestros— hablan con los niños: con ternura, exigencia moral y esperanza. 

El cuento: La muñeca negra

La entrada Encuentro: José Martí y su legado inmortal para los niños se publicó primero en Radio Rebelde.

Nacida en Matanzas en 1910 y fallecida en La Habana en 2001, esta escritora no solo fue una de las plumas más lúcidas de su generación, sino también una de las más comprometidas con los de abajo: campesinos, niños, mujeres olvidadas por los reflectores… ella los puso en el centro de sus páginas.

A ella dedicamos este episodio del podcast Encuentro:

Sol de Batey: una novela de identidad

Su novela “Sol de Batey” (1963) es, sin duda, una de esas obras que uno no solo lee, sino que siente. Ambientada en los cañaverales cubanos, narra con crudeza y ternura la lucha de los trabajadores azucareros antes y después del triunfo de la Revolución.

Dora Alonso construye personajes reales, con contradicciones, dolores y esperanzas. El “batey” —ese espacio comunitario alrededor del central azucarero— se vuelve metáfora de la nación en transformación. Y el “sol” del título no solo quema la piel, también ilumina las injusticias y los sueños de justicia social. Es literatura comprometida, sí, pero sobre todo literatura humana.

Esta novela ocupa un lugar especial en su obra. Publicada en un contexto donde la literatura cubana buscaba reafirmar sus raíces, esta obra se adentra en la vida rural y en las dinámicas sociales de los bateyes azucareros.

Más allá de la trama, lo que destaca es la manera en que Alonso logra retratar la cotidianidad del campo cubano con autenticidad y lirismo, mostrando tanto las tensiones como la riqueza cultural de ese universo. Es un texto que, sin caer en idealizaciones, ofrece una mirada crítica y a la vez entrañable de la realidad nacional.

La reina de la literatura infantil cubana

Si algo consolidó a Dora Alonso como referente fue su aporte a la literatura infantil. Se le reconoce como la autora cubana para niños más traducida y publicada en el extranjero, con títulos que han acompañado a generaciones en Cuba y fuera de ella.

Su narrativa para niños no se limitó a entretener: buscó transmitir valores humanos, sensibilidad hacia la naturaleza y un profundo respeto por la imaginación infantil. Obras como “El cochero azul” o “El valle de la pájara pinta” son ejemplos de cómo supo crear mundos mágicos sin perder la conexión con la realidad cubana.

Con una prosa clara, lúdica y profundamente ética, supo hablarles a los niños sin condescendencia. Obras como “Pelusín del Monte”, “El Cochero azul” y “El Valle de la Pájara Pinta” no solo entretienen: enseñan, cuestionan y, sobre todo, forman ciudadanos.

No es casual que haya sido galardonada con el Premio Nacional de Literatura en 1986 y que, hasta hoy, sea considerada una de las fundadoras del género infantil en Cuba. Ella creía —y lo demostró— que escribir para niños es una responsabilidad tan seria como escribir para adultos.

Un legado vivo

El aporte de Dora Alonso no se mide solo en premios —como el Premio Nacional de Literatura de Cuba en 1988— sino en la permanencia de su obra en la memoria colectiva. Su literatura infantil sigue siendo material de lectura en escuelas, y Sol de Batey y Tierra Brava continúan siendo referencias para quienes estudian la narrativa cubana del siglo XX. En definitiva, Alonso logró lo que pocos: ser popular sin perder profundidad, y ser crítica sin perder ternura.

En una época en la que lo rural parecía destinado al olvido, Dora Alonso levantó su pluma como una bandera. Supo cantarle a Cuba desde el surco y desde la hamaca, desde el aula y desde el trapiche.

Hablar de Dora Alonso es hablar de una escritora que supo combinar oficio periodístico, sensibilidad poética y compromiso social.

La entrada Encuentro con la escritora Dora Alonso se publicó primero en Radio Rebelde.

Podcast Encuentro: El órgano oriental:

El viaje del órgano oriental hacia Cuba 

El órgano oriental, también conocido como “órgano de manzanillo”, tiene una historia fascinante. Llegó a Cuba en 1885 por el puerto de Cienfuegos, traído desde Francia, y rápidamente se trasladó hacia la región oriental, especialmente Manzanillo, donde encontró su lugar definitivo en las fiestas populares. Allí se convirtió en el alma de los bailes, acompañando guarachas, sones y otros géneros que forman parte del rico mosaico musical cubano. 

Aunque algunos relatos lo vinculan con influencias chinas y africanas, la versión más documentada señala que fueron los emigrantes franceses quienes introdujeron este instrumento en la isla. Lo cierto es que, como ocurre con muchos elementos culturales en Cuba, el órgano oriental es fruto de un mestizaje que lo hace único.

Cómo funciona este instrumento 

El órgano oriental es, en esencia, un órgano mecánico de manivela. Funciona gracias a un sistema de fuelles que impulsan aire hacia tubos sonoros, mientras un cilindro con púas metálicas va marcando las melodías.

El organista gira la manivela y, con ello, se produce un sonido continuo que recuerda a las antiguas cajas musicales, pero con una potencia capaz de animar grandes fiestas. 

Con el tiempo, se le fueron añadiendo acompañamientos típicos de la música cubana: timbales, tumbadoras, güiro y guayo, creando un ensamble que mezcla lo europeo con lo afrocaribeño. El resultado es un sonido alegre, contagioso y profundamente criollo.

Datos curiosos que quizás no conocías 

– Patrimonio vivo: El órgano oriental ha sido declarado parte del patrimonio cultural de varias provincias del oriente cubano, especialmente Granma y Holguín. 

– Fiestas interminables: En Manzanillo, se dice que ningún baile popular estaba completo sin la presencia de un órgano oriental. Era el equivalente a tener una orquesta portátil. 

– Un instrumento viajero:Aunque nació en Europa, en Cuba adquirió una personalidad propia. Hoy se le reconoce como un símbolo de la música tradicional cubana. 

– Repertorio variado: A pesar de su mecanismo limitado, los organistas han logrado adaptar guarachas, sones, boleros e incluso canciones modernas. 

– Herencia familiar: Muchas familias han conservado y reparado estos órganos por generaciones, convirtiéndose en guardianes de una tradición que sigue viva. 

El órgano oriental en la actualidad 

Hoy en día, el órgano oriental sigue sonando en fiestas populares y celebraciones religiosas en el oriente del país. Municipios como Niquero y Manzanillo son considerados epicentros de esta tradición. Aunque la tecnología moderna ofrece alternativas musicales más sofisticadas, el encanto del órgano oriental radica en su autenticidad y en la conexión emocional que genera con la comunidad. 

Su permanencia demuestra cómo un instrumento puede trascender el tiempo y convertirse en símbolo de resistencia cultural. Escuchar un órgano oriental es viajar al pasado y al mismo tiempo celebrar la vitalidad del presente.

El órgano oriental de Cuba es un ejemplo perfecto de cómo la música puede cruzar fronteras, adaptarse y convertirse en parte esencial de una cultura. Desde su llegada en el siglo XIX hasta su presencia actual en fiestas y celebraciones, este instrumento sigue siendo un latido alegre en el corazón del oriente cubano.

La entrada Podcast Encuentro con El órgano oriental se publicó primero en Radio Rebelde.

Barbarito Diez, cuyo nombre completo fue Bárbaro Diez Junco, nació el 4 de diciembre de 1909 en Bolondrón, Matanzas, Cuba. Desde muy joven mostró inclinación por el canto, aunque nunca recibió formación académica en música ni aprendió a tocar instrumentos.

En el podcast Encuentro nos compartimos acerca de su talento natural y su voz de tenor, clara y melodiosa, lo convirtieron en un intérprete único. En 1914 su familia se trasladó a Manatí, en la provincia de Oriente, donde comenzó a participar en actividades musicales locales.

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La carrera de Barbarito Diez dio un giro decisivo cuando se unió a la orquesta de Antonio María Romeu, uno de los grandes exponentes del danzón. Con Romeu, Barbarito encontró el espacio ideal para desplegar su talento y convertirse en la voz principal de un género que, hasta entonces, se había caracterizado más por su carácter instrumental que por el canto. Su interpretación vocal aportó una dimensión nueva al danzón, transformándolo en una experiencia más íntima y romántica.

El danzón y el bolero

Aunque Barbarito Diez es recordado principalmente por su aporte al danzón, también incursionó en el bolero, otro género fundamental de la música cubana. Su estilo se distinguía por la elegancia y la sobriedad, evitando excesos y privilegiando la claridad de la interpretación. Gracias a ello, canciones como Martha de Moisés Simons, Lágrimas Negras de Miguel Matamoros, Olvido y Juramento se convirtieron en clásicos inmortalizados por su voz.

Reconocimientos y legado

A lo largo de su carrera, Barbarito Diez fue ampliamente reconocido. En 1988 recibió la Orden Félix Varela, una de las más altas distinciones culturales en Cuba. Su trayectoria abarcó casi seis décadas, desde 1927 hasta 1985, y durante ese tiempo grabó con sellos discográficos como Panart y EGREM, dejando un repertorio que aún hoy se escucha y se estudia como referencia del canto cubano.

Su voz fue descrita como “insólitamente hermosa”, capaz de transmitir ternura y pasión sin necesidad de artificios. Por ello, se ganó el apelativo de “La Voz de Oro del Danzón”, título que lo acompañó hasta el final de sus días.

Últimos años y fallecimiento

Barbarito Diez se retiró de los escenarios en 1985, tras una vida dedicada por completo a la música. Falleció el 6 de mayo de 1995 en La Habana, a los 85 años, víctima de complicaciones derivadas de la diabetes mellitus. Su partida dejó un vacío en la música cubana, pero también consolidó su figura como uno de los grandes íconos de la cultura nacional.

Importancia cultural

El aporte de Barbarito Diez va más allá de su voz. Representa la transición del danzón hacia una forma más popular y accesible, en la que el canto se convirtió en protagonista. Se debe tener presente que su estilo influyó en generaciones posteriores de intérpretes y contribuyó a que el danzón, declarado género nacional de Cuba, mantuviera vigencia en un siglo marcado por la aparición de nuevas corrientes musicales.

Además, Barbarito Diez encarna la esencia del artista popular cubano: un hombre sin formación académica que, gracias a su talento innato y a su disciplina, alcanzó reconocimiento internacional. Su ejemplo demuestra cómo la música cubana ha sido capaz de trascender fronteras y convertirse en patrimonio universal.

Hablar de Barbarito Diez es hablar de la historia misma del danzón y del bolero. Su voz, clara y elegante, sigue siendo referencia obligada para quienes estudian la música cubana. Más de un siglo después de su nacimiento, su legado continúa inspirando a músicos y melómanos, recordándonos que la verdadera grandeza del arte reside en la capacidad de conmover y de permanecer en la memoria colectiva.

La entrada Encuentro: Barbarito Diez,  La Voz de Oro del Danzón se publicó primero en Radio Rebelde.

En este nuevo episodio del podcast Encuentro, te propongo compartir acerca de esta obra de la literatura cubana. Además sobre la primera zarzuela que se le hizo mostrando los géneros musicales que ya formaban parte del cubano; así como la película inspirada en Cecilia Valdés.

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La fuerza narrativa de Villaverde: imágenes, sonidos y contrastes

Leer Cecilia Valdés es recorrer la Habana colonial con todos los sentidos. Villaverde describe calles empedradas, plazas bulliciosas y casas solariegas donde conviven la opulencia y la miseria.

En la novela se puede evocar a las ilustraciones de la época. Los grabados y dibujos del siglo XIX en los que se observan los contrastes entre la aristocracia criolla, con sus trajes europeos, y los grupos populares, mulatos y negros, sometidos a una realidad mucho más dura.

Además nos brinda un mapa de La Habana colonial. El autor con su descripción nos permite ubicarnos en la Plaza de Armas y transitar hasta el barrio de Jesús María, donde Cecilia y su abuela Doña Rosa sobreviven entre rumores, rivalidades y pasiones. Es un recorrido histórico que muestra cómo la ciudad misma era un personaje más en la novela.

De igual manera, Villaverde retrata con crudeza el sistema esclavista: los ingenios azucareros, las casas de los amos, los mercados de esclavos y la vida cotidiana de quienes sostenían la economía colonial. Contrasta estas escenas con los bailes de salón, los paseos en coche y las intrigas políticas de la clase alta.

“Cecilia Valdés”: La zarzuela de Gonzalo Roig que le dio voz musical a la identidad cubana

En 1932, casi un siglo después de que Cirilo Villaverde publicara la primera versión de su novela, Gonzalo Roig realizó uno de los actos más audaces y trascendentes de la cultura cubana: adaptó Cecilia Valdés en forma de zarzuela. Lo que en manos de Villaverde había sido un retrato literario de la sociedad colonial, en manos de Roig se transformó en una obra musical monumental, capaz de conmover, denunciar y, sobre todo, afirmar una identidad nacional en plena formación.

Hasta la década de 1930, la zarzuela —aunque muy popular en Cuba— seguía siendo un género importado, fuertemente marcado por la tradición española. Sus estructuras, ritmos y lenguajes musicales tenían más que ver con Madrid que con La Habana. Gonzalo Roig decidió romper esa barrera sin renunciar al formato: convertir la zarzuela en un vehículo auténtico de cubanidad.

Para lograrlo, Roig incorporó dentro de la arquitectura lírica española una serie de géneros profundamente cubanos:

• La habanera

Sensual, cadenciosa, perfecta para expresar los amores prohibidos y la atmósfera mestiza que rodea a Cecilia. Roig la utiliza para envolver al público en la elegancia melancólica de la época colonial.

• El danzón

Un género que ya era símbolo de refinamiento y modernidad en Cuba. En la zarzuela, el danzón sirve para marcar los contrastes entre clases sociales y ambientes, desde los bailes aristocráticos hasta las reuniones populares.

• El son

El ritmo más representativo del pueblo cubano entra por primera vez con fuerza en un escenario lírico. El son le da cuerpo a los personajes afrodescendientes, a la calle, al barrio, a la vida cotidiana. Es su manera de decir: la cultura cubana también es esta vibración rítmica.

Con esta combinación, Roig logró algo sin precedentes: fusionar la estructura europea con la esencia musical cubana, demostrando que la identidad nacional podía dialogar con lo universal sin perder autenticidad.

“Cecilia”: La visión cinematográfica de Humberto Solás que convirtió un clásico cubano en un espejo nacional

Cuando Humberto Solás estrenó Cecilia en 1982, no solo llevó a la gran pantalla una de las obras literarias más trascendentes de Cuba: entregó una película monumental, polémica, poética y profundamente política. Su versión de Cecilia Valdés no buscó simplemente adaptar la novela de Cirilo Villaverde, sino releerla, interpretarla y reconstruirla desde un lenguaje visual y dramático que revelara con crudeza las tensiones históricas, raciales y sociales de la Cuba colonial.

Humberto Solás, maestro del cine histórico cubano, construyó en Cecilia una atmósfera colonial envolvente. Su objetivo no era recrear fielmente la novela, sino interpretar la esencia cultural y política de la historia. Por ello eligió una estética barroca, cargada de simbolismos, ambientes opresivos y contrastes visuales.

• La ambientación colonial

Solás transforma las calles, salones y espacios abiertos en escenarios que respiran historia. Los interiores aristocráticos se muestran recargados, casi sofocantes; los barrios humildes están llenos de vida, música y tensión. El espectador siente el peso del sistema esclavista y la violencia silenciosa de la sociedad de castas.

• El enfoque dramático

A diferencia de la novela o de la zarzuela, la película se mueve entre lo realista y lo alegórico. Solás utiliza recursos teatrales—como miradas directas, movimientos coreografiados o composiciones plásticas—para expresar el conflicto interno de los personajes y su relación con un orden social brutal.

Los temas que se encuentran en esta novela es un reflejo de una sociedad cubana, que se puede ver diferente, pero en la que en cierta manera volvemos a encontrarnos y con los mismos conflictos. Cada personaje de ella, no sólo los principales, puede verse aun en siglo XIX por las calles de cada provincia. Me atrevo a decir que lo que aportó tanto la versión en zarzuela, como en el cine, nos permiten secundar la vigencia de Cecilia Valdés.

La entrada Encuentro: Cecilia Valdés, la novela que representa a Cuba se publicó primero en Radio Rebelde.

Las Parrandas de Remedios surgieron en 1820 gracias al párroco Francisco Vigil de Quiñónez, conocido como Francisquito. Su objetivo era despertar a los feligreses para las Misas de Aguinaldo, y para ello organizó a los jóvenes del pueblo con matracas, pitos y latas. Lo que comenzó como un recurso pastoral se transformó en una de las celebraciones más vibrantes y duraderas de Cuba.

Hoy, más de dos siglos después, las Parrandas no solo se celebran en Remedios, sino también en otras localidades de Villa Clara como Camajuaní, Vueltas, Zulueta y Taguayabón.

Escuche y/o descargue el siguiente episiodio del Podcast Encuentro sobre Las Parrandas de Remedios

La rivalidad de los barrios

Uno de los elementos más distintivos de las Parrandas es la competencia entre los barrios San Salvador y El Carmen. Cada año, ambos bandos trabajan durante meses en secreto para preparar carrozas, trabajos de plaza y espectáculos pirotécnicos. La noche del 24 de diciembre, las calles de Remedios se convierten en un escenario de creatividad y rivalidad que atrae a miles de visitantes.

Patrimonio vivo y comunitario

En 2018, la UNESCO inscribió las Parrandas de la región central de Cuba en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Este reconocimiento destaca la capacidad de las comunidades para mantener viva una tradición que ha sobrevivido a guerras, ciclones y crisis económicas.

La fuerza de las Parrandas radica en la participación comunitaria: generaciones enteras se involucran en la construcción de carrozas, la organización de la música y la preparación de los fuegos. Cada vecino se convierte en artista y creador, reforzando el sentido de identidad y pertenencia.

Una fiesta que toca el alma

Más allá de la competencia, las Parrandas son un símbolo de lo que significa ser cubano: creatividad, alegría y solidaridad. Las Parrandas de Remedios son mucho más que una fiesta popular: representan un legado cultural que conecta pasado y presente, comunidad y patrimonio. Reconocidas por la UNESCO, estas celebraciones son un recordatorio de la riqueza cultural de Cuba y de la capacidad de su gente para transformar la tradición en arte y resistencia.

La entrada Podcast Encuentro: Las Parrandas de Remedios se publicó primero en Radio Rebelde.

En el nuevo episodio del podcast Encuentro, dedicado íntegramente a su vida y legado, exploramos las raíces culturales, las influencias y las experiencias que dieron forma a uno de los universos artísticos más ricos de la plástica caribeña.

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Raíces afrocubanas y formación artística

Mendive estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes San Alejandro, donde se graduó en 1963. Desde muy joven, mostró un profundo interés por las tradiciones africanas que llegaron a Cuba con los esclavos, especialmente las de origen yoruba. Esa herencia espiritual, lejos de ser un simple tema decorativo, se convirtió en el núcleo simbólico de su obra.

Su conexión con la religión yoruba —deidades como Obatalá, Yemayá, Ochún o Changó— marcó un antes y un después en la representación artística de la identidad cubana.

Mendive no solo pinta estas figuras: las reinterpreta, las espiritualiza y las lleva al terreno del performance, haciendo de cada una una manifestación viva de la fe, la historia y la cultura.

Un lenguaje visual entre lo místico y lo corporal

Durante la década de 1980, Manuel Mendive llevó su obra más allá del lienzo. Comenzó a incorporar el cuerpo humano como soporte, pintando sobre modelos vivos que luego participaban en ceremonias-performance donde el movimiento, el color y el ritmo se unían en un mismo acto creativo.

Estas puestas en escena, muchas de ellas en ríos, montañas o espacios naturales, combinaban elementos de danza, música y espiritualidad, transformando el arte visual en experiencia ritual.

Mendive convirtió la acción artística en una extensión de la vida misma, donde lo sagrado y lo cotidiano se encuentran.

Colores, símbolos y naturaleza

Su paleta de colores cálidos, los tonos terrosos y los azules profundos evocan la tierra, el agua y el fuego: los elementos primordiales del universo yoruba. En sus cuadros, hombres, animales y orishas se entrelazan en escenas donde la naturaleza cobra voz propia.

Las figuras flotan, se transforman, se multiplican; los cuerpos se funden con árboles o aves, en una representación visual de la unidad entre el ser humano y la divinidad.

Reconocimientos y proyección internacional

A lo largo de su carrera, Mendive ha expuesto en instituciones de renombre como el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), el Centro Pompidou en París y la Bienal de Venecia.

Sus obras forman parte de colecciones privadas y museos de todo el mundo, consolidando su posición como uno de los artistas latinoamericanos más influyentes del siglo XX y XXI.

Entre los reconocimientos más destacados se encuentra la Medalla Alejo Carpentier (1988), el Premio Nacional de Artes Plásticas de Cuba (2001) y la Orden Félix Varela. Su prestigio internacional no ha hecho que pierda la conexión con sus raíces: sigue viviendo y creando en Cuba, rodeado de la espiritualidad y el simbolismo que han guiado toda su vida.

El legado de Mendive: arte, identidad y espiritualidad

Más que un artista, Manuel Mendive es un narrador de la memoria espiritual cubana. Su obra ha contribuido a dignificar las raíces africanas dentro del imaginario nacional y a mostrar al mundo la riqueza simbólica del sincretismo cubano.

En cada trazo, en cada ritual, se percibe su búsqueda de armonía entre el hombre, la naturaleza y los dioses.

Su arte no es solo visual: es sensorial, filosófico y profundamente humano. En una época marcada por la fragmentación y la inmediatez, Mendive nos recuerda el valor de lo ancestral, de lo invisible, de la conexión entre el espíritu y la tierra.

La entrada Encuentro: Manuel Mendive, el universo espiritual se publicó primero en Radio Rebelde.

Desde los tiempos coloniales hasta los escenarios internacionales, la historia de la música cubana es una larga conversación entre culturas, generaciones y emociones. Y como toda buena historia, empieza en los barrios y los solares, donde nació la rumba.

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De la rumba al son: el ritmo que nació del pueblo

La rumba fue el primer grito musical de identidad. Surgió de los tambores, las palmas y el canto improvisado, sin necesidad de grandes orquestas. Era una expresión de libertad, resistencia y fiesta.
En los patios habaneros se bailaba el guaguancó, el yambú o la columbia, y cada golpe de tambor era una forma de decir: “Aquí estamos”.

Pero Cuba nunca se quedó quieta. En el oriente de la isla, los campesinos mezclaron la guitarra española con los ritmos africanos, y de ese encuentro nació el son cubano, el género que definiría para siempre la identidad musical del país.

El son cubano fue la gran fusión: tenía poesía, tenía ritmo y sobre todo, tenía alma. Lo tocaban trovadores, bongoseros y marimberos en las fiestas populares, hasta que llegó a La Habana… y conquistó el mundo.
Gracias a figuras como Miguel Matamoros, Compay Segundo y el Sexteto Habanero, el son se volvió bandera nacional.

La Habana de los 50: mambo, elegancia y sabor

En los años 40 y 50, La Habana era una fiesta continua. Los clubes y cabarets vibraban con una nueva ola musical: el mambo.
Este ritmo explosivo, creado por Dámaso Pérez Prado, hizo que las orquestas cubanas fueran las más aclamadas en toda América Latina. Y cómo olvidar al inigualable Benny Moré, que llevó el mambo al corazón del pueblo con su voz y su estilo inconfundible.

Pero como todo en Cuba, la música siguió evolucionando. En los salones de baile, un nuevo ritmo empezó a sonar: el cha cha chá, inventado por Enrique Jorrín. Más elegante, más pausado, pero igual de sabroso, el cha cha chá se convirtió en una sensación en Nueva York, México y todo el Caribe.

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Del recuerdo al renacimiento: Buena Vista Social Club

Cuando parecía que el son había quedado en el pasado, la historia dio un giro mágico. A finales de los 90, el proyecto Buena Vista Social Club reunió a viejos músicos cubanos —entre ellos Compay Segundo, Ibrahim Ferrer y Omara Portuondo— y devolvió al planeta la nostalgia del sonido más auténtico de la isla.

Sus canciones, como Chan Chan o Dos Gardenias, recordaron al mundo que la música cubana nunca muere; simplemente cambia de ritmo.

La timba y Los Van Van: el sonido moderno de Cuba

En los años 90 y 2000, una nueva generación de músicos volvió a revolucionarlo todo con la timba, una mezcla de salsa, funk, jazz y rumba moderna.
Y si hablamos de ese período, hay un nombre que no puede faltar: Los Van Van. Bajo la dirección de Juan Formell, esta agrupación llevó la música cubana a otro nivel, convirtiéndose en un símbolo de la modernidad sonora de la isla.

La timba fue el puente entre lo tradicional y lo urbano, entre el tambor del solar y la pista de discoteca. Era, y sigue siendo, puro fuego cubano.

Un país que suena a vida

La historia de la música cubana es la historia de su gente. De los que cantan aunque no tengan micrófono, de los que bailan aunque no haya luz, de los que siguen encontrando alegría en un tres, un bongó o una clave. De la rumba al mambo, del son cubano al cha cha chá, del Buena Vista Social Club a Los Van Van, la cultura cubana ha demostrado una y otra vez que su ritmo no tiene fronteras.

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Los Tríos en Sancti Spíritus tienen una historia rica que se remonta a principios del siglo XX, cuando la tradición del canto a tres voces comenzó a tomar forma como expresión musical popular. Este género se distingue por la estructura vocal donde tres cantantes interpretan armonías íntimas y emotivas, acompañados generalmente por guitarras y a veces otros instrumentos tradicionales. La conjunción de voces es la columna vertebral que define al trío, transmitiendo mensajes de amor, desamor, vida cotidiana y elementos folclóricos que conectan de manera especial con el público.

En el podcast Encuentro, la narrativa comienza con el contexto histórico que permitió el surgimiento de los tríos espirituanos. Se describe cómo este género no solo adoptó características de la música campesina y urbana de la región, sino también cómo influencias externas –como el bolero y la música tradicional española– fueron amalgamándose en un estilo propio.

Según refiere el diario Escambray, los antecedentes de este formato musical se remontan —según estudiosos a 1910, cuando se unieron Miguel Companioni (guitarra), Segismundo Acosta (voz segunda) y Luis Farías (voz prima). La agrupación tuvo el privilegio de estrenar varias de las piezas musicales compuestas por Companioni —uno de los pilares de la trova yayabera—, entre estas Herminia, Elena y Teresa.

Un aspecto que resalta con especial énfasis el podcast es la esencia característica de los tríos: su capacidad para mezclar lo popular con lo artístico de forma orgánica. Mientras que la instrumentación suele ser sencilla, predominando tres guitarras y el canto a tres voces, la intensidad con la que se interpretan las letras convierte cada presentación en un momento íntimo y memorable. En ese sentido, los tríos no solo cantan, sino que cuentan historias que a menudo reflejan la idiosincrasia espirituana, sus valores y sus sentimientos más profundos. Por eso mantienen un vínculo cercano con la audiencia, que se siente reconocida y partícipe de ese canto colectivo.

En el  Trío se exploran algunas estructuras musicales propias, como el uso frecuente del bolero y la canción de trova, pero con arreglos que varían la duración y el ritmo para adaptarse a los relatos y la expresividad que cada trío quiere transmitir. Además, se aborda la importancia de la improvisación y la flexibilidad en las presentaciones en vivo, donde la interacción entre los músicos, la improvisación y la respuesta del público enriquecen la experiencia sonora y cultural.

Este episodio especial del podcast Encuentro no solo es un recorrido por la historia y las características del género de tríos en Sancti Spíritus, sino también un homenaje a la identidad musical cubana y a esa forma particular de cantar que, con tres voces, logra contar mucho más que una simple melodía.

Escuche y / o descargue el podcast Encuentro Tríos de Sacnti Spíritus, únicos en Cuba:

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