Si te apasiona el arte latinoamericano o simplemente quieres conocer a uno de los artistas más fascinantes de nuestra región, este nuevo episodio del podcast Encuentro es dedicado al artista.

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De Sagua la Grande al mundo

Nacido un 8 de diciembre de 1902 en Sagua la Grande, Villa Clara, Lam cargaba en su ADN la esencia misma del Caribe: hijo de un inmigrante chino y una madre de ascendencia africana y española. Esta mezcla no fue un dato curioso en su biografía, sino la savia que alimentó toda su obra.

Después de formarse en la Academia de San Alejandro en La Habana, donde aprendió las técnicas clásicas que pronto cuestionaría, se marchó a Madrid en 1923. Pero fue la tragedia personal —perdió a su madre y a su esposa durante la Guerra Civil española— lo que lo empujó a París, donde todo cambiaría.

El encuentro con la vanguardia

En París, Lam codeó con los grandes. Su amistad con Pablo Picasso y su acercamiento al surrealismo le abrieron las puertas de una libertad creativa sin precedentes. Allí entendió que podía dejar atrás el academicismo y abrazar la desfiguración expresiva como herramienta de conocimiento.

Sin embargo, el verdadero momento de revelación llegó con su regreso a Cuba en 1941. Fue entonces cuando Lam encontró su voz propia, esa que lo convertiría en uno de los artistas latinoamericanos más importantes del siglo XX.

La Jungla: su obra maestra

En 1943 pintó «La Jungla», obra que es mucho más que un cuadro: es la condensación de su visión del Caribe. Figuras híbridas, miembros que se afilan como lanzas, rostros que evocan máscaras africanas y yorubas, y una atmósfera que oscila entre lo sagrado y lo profano.

Lo revolucionario de Lam es que no cayó en el exotismo fácil. Rechazó la mirada colonial que folklorizaba lo afrocaribeño y, en su lugar, lo elevó a categoría universal. Obras como «Yemayá», «El tercer mundo» o «La novia» demuestran un dominio magistral del claroscuro y una paleta donde el negro, el ocre y el blanco funcionan como símbolos de resistencia, memoria y trascendencia.

Un lenguaje visual único

¿Qué hace tan especial la obra de Lam? La característica más inmediatamente reconocible de la obra de Lam es la hibridación morfológica. Sus figuras no aspiran al naturalismo académico, sino que se configuran como entidades liminales que oscilan entre lo humano, lo vegetal y lo animal.

Las extremidades se prolongan en cuchillas o lanzas, los torsos se fragmentan, los rostros se vacían en máscaras con ojos almendrados y bocas entreabiertas. Esta descomposición anatómica no responde al capricho formalista, sino a una concepción ritual del cuerpo: en Lam, la figura es un recipiente de fuerzas invisibles, un médium entre lo terrenal y lo sagrado. La composición, por su parte, rechaza la perspectiva renacentista y la profundidad ilusoria.

El espacio se aplanó, se volvió rítmico, casi táctil, donde las figuras se superponen en un entramado denso que evoca tanto la vegetación tropical como la disposición sagrada de los altares de la Regla de Ocha.

El tratamiento del color en Lam es igualmente deliberado y simbólico. Abandonó tempranamente la paleta cromática convencional para centrarse en una gama restringida donde el negro, el blanco, el ocre y los verdes apagados operan como categorías filosóficas antes que decorativas. El negro no es ausencia de luz, sino presencia ancestral, tierra húmeda, noche ritual.

El blanco funciona como corte, como vacío fértil, como la cal de los muros coloniales y el algodón de las vestiduras sacerdotales. Técnicamente, dominó el óleo con pinceladas seguras y empastes controlados, pero también exploró la gouache, el dibujo a tinta, la litografía, el grabado y la escultura en cerámica y bronce. Esta versatilidad material refleja su concepción del arte como práctica total, donde el soporte no impone límites, sino que se adapta a la urgencia del mensaje.

En el plano temático, Lam construyó una iconografía sincretista que rechaza el exotismo etnográfico para erigir un lenguaje de resistencia cultural. Las máscaras, los bastones rituales, las hojas de tabaco, los cuchillos y las figuras femeninas de pechos alados no son citas decorativas, sino gramática visual de un Caribe que se reconoce a sí mismo.

Su obra dialoga explícitamente con la religión yoruba, el vudú haitiano y el espiritismo cubano, pero nunca como ilustración dogmática. Lam traduce lo religioso a lo poético, lo sagrado a lo político.

En contextos de posguerra y dictaduras latinoamericanas, sus lienzos funcionaron como alegorías antifascistas y anticoloniales, donde la “jungla” no es un paraíso perdido, sino un espacio de confrontación histórica, sincretismo y renacimiento identitario.

Es crucial señalar que esta madurez estilística no surgió de la nada. Sus primeros años en la Academia de San Alejandro y su etapa madrileña muestran un dominio académico riguroso y una breve incursión en el cubismo analítico. Fue en París, bajo la tutela intelectual de Picasso y el círculo surrealista de André Breton, donde encontró las herramientas para liberar su mirada.

Sin embargo, Lam no se subordinó a ninguna escuela. Asimiló el automatismo surrealista, pero lo ancló en la conciencia histórica; tomó la desfiguración picassiana, pero la cargó de significados caribeños. Esta síntesis es lo que lo distingue: un modernismo que no imita centros hegemónicos, sino que los descentra desde la periferia, demostrando que la innovación puede nacer del encuentro entre tradiciones silenciadas y vanguardia formal.

Aunque vivió gran parte de su vida entre París, Nueva York y otras capitales, Lam nunca perdió el vínculo con Cuba. Después del triunfo de la Revolución en 1959, regresó con frecuencia, participó en proyectos culturales, donó obras a museos nacionales y apoyó a las nuevas generaciones de artistas.

Su legado trasciende las paredes de los museos. Inspiró a la Generación de los 80, a creadores contemporáneos que exploran el sincretismo religioso y la diáspora, y a curadores que hoy reivindican el Sur Global en los circuitos del arte internacional.

Wilfredo Lam no pintó para agradar, sino para interpelar. Su pincel fue un instrumento de decolonización visual, un puente entre Cuba y el mundo, entre lo ancestral y lo contemporáneo. A casi 80 años de «La Jungla», su obra sigue tan vigente como el primer día, recordándonos que el arte auténtico es siempre un acto de memoria y de futuro.

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La historiografía del arte, ha insistido en inscribirlo en entre los miembros del movimiento surrealista, del que resulta sin dudas un protagonista, sin embargo, la evolución y dinámica interna de sus obras revela una originalidad irreductible, convincente y deslumbrante al mismo tiempo. 

En el 120 aniversario de su natalicio compartimos, a modo de homenaje, las valoraciones que de su obra han realizado diversos intelectuales y artistas de Cuba y el mundo como Fernando Ortiz, Alejo Carpentier, Lydia Cabrera y André Breton.

Quienes tuvieron oportunidad de asistir a la evolución de la pintura de Wifredo Lam, desde que redescubriera las secretas formas de la naturaleza americana y los fijara en cuadros de una concepción cada vez más personal y mágica, saben cuán lógica, asentada en realidades, fue la lenta y gradual elaboración de su mundo plástico —creado muy lejos de donde hubiera podido ejercerse, sobre él, alguna influencia estética. Partiendo de elementos muy sencillos, muy inmediatos ―a menudo el dibujo de una planta crecida en su jardín—, fue ascendiendo hasta el mito: hacia una mitología americana que hoy le pertenece por entero, con su zoología, sus seres volantes, sus signos, sus criaturas a la vez humanas y vegetales, que, partiendo de la célebre «Jungla» del Museo de Arte Moderno de Nueva York, se fueron fijando en lienzos cada vez más simples y monumentales, cada vez más sobrios de color, cuando no bullen en una vida propia tan activa y presente que mal se ve contenida por la barrera de los marcos.

Cubano por el nacimiento, Wifredo Lam pertenece por igual a todas las tierras de América donde aún existe una naturaleza desasosegada —todavía capaz de manifestarse en «febriles conmociones» de Génesis.

Alejo Carpentier, para el catálogo de la exposición de Lam en el Museo de Bellas Artes de Caracas del 8 al 22 de mayo de 1955.

Lam conserva también en el mestizaje cultural, que él ha sabido empastar en su europea paleta, sustancias innegablemente afroides. Al querer analizar la simbología de Lam se ha aludido al vodú haitiano, a la santería afrocubana, y a los ñáñigos habaneros (…); pero, en verdad, muy poco de esto aparece en la obra de aquel. En sus óleos y aguazos nada hay de pintoresco, descriptivo o que represente la esclavitud ni la cimarronería, ni látigos, cadenas ni cepos. En aquéllas tampoco tienen tambores, ni maracas, «diablitos» ni «mojigangas» (mascaradas), ni liturgias voduistas, santeras o ñáñigas, ni fetiches, máscaras o ídolos (…). En Lam se habrían hallado influjos del expresionismo africano aun cuando aquel nada tuviera de negroide en su linaje (…).

El afrismo en Lam no es una simple tendencia de escuela, para el aprovechamiento de ciertos valores expresionistas de las musas negras de África (…); ni mucho menos es una moda tornadiza, una banal y pasajara novelería de exotismo, como a menudo lo ha sido en París.

(…) En este pintor cubano coinciden las citadas corrientes de escuela, que él dominó en París, con ciertos elementos afroides que él sentía consigo y que sólo pueden asimilarse en una convivencia mental con ellos, tan prolongada e intensa que hayan llegado a sedimentarse en la subconsciencia (…). Los aportes afroides a la pintura de Lam pueden quizás estudiarse en tres aspectos: su simbología, su primitivismo y su religiosidad.

Fernando Ortiz, «Lam y su obra vista a través de significados críticos» (1950)

De la primera época analítica de Lam, no conocemos nada. Los cuadros pintados en España, los considera irremisiblemente perdidos en la confusión de la guerra. Es en París —como siempre— donde Lam se encuentra por entero a sí mismo: donde su sensibilidad, su talento y su personalidad se afirman vigorosamente en una nueva orientación decidida. El artista recibe como nadie, en el alma, el soplo estimulante y fecundo de París; allí se abandona, lleno de fe en sí mismo, y de esperanzas —y consciente de lo que quiere— a una verdadera fiebre de trabajo y de creación, sin más preocupación que la de su aventura plástica ni otro afán que el de exteriorizar el choque de una emoción en la nítida superficie del lienzo; fijar el misterio de un gesto, disponer la arquitectura complicada de una sensación…, con voluntad inteligente.

Lam trabaja entonces como un poseso, pero el lastre de una sólida preparación y su honradez, sobre todo —el respeto a la pintura como forma de expresión— su instinto, además del equilibrio y de la medida, lo salvan de toda posible borrachera y extravío. Con paso firme y seguro se empeña en la senda innovadora abierta por Braque y Picasso.

El gran español —figura central de una de las épocas más ricas e intensas de la historia del arte— lo deslumbra con la audacia de su genio prodigioso, que no cesa de crear, de señalar nuevos derroteros desconocidos, nuevas posibilidades estéticas hasta él insospechadas… Mas no sería justo decir que la sentida influencia de Picasso en Lam disminuya en lo más mínimo su personalidad, sino todo lo contrario; la fortalece y explica. (…) En Lam hay influencia de Picasso, mas, no imitación, que es la renuncia de sí mismo y todo lo contrario de lo que pueda resultar de una auténtica influencia, la que exige afinidades profundas, y es como la aclaratoria y el reconocimiento de un nexo interior. (…)

Este hijo natural de Cuba, que no es un pintor de Cuba por el sentido universal de su arte ni por su formación —no hay palmeras, ni ceibas, ni piñas, ni «congas», ni nada típico, descriptivo, psicológico o anecdótico en su obra; sólo pudiéramos reclamarlo por el azar de su nacimiento— nos hace pensar en otra artista, cubana también y obliga a asociarla a Lam en nuestra estimación: Amelia Peláez, que traspasa los límites del localismo y sus balbuceos, y se sitúa discretamente en un plano de la nueva pintura.

Lydia Cabrera, «Un gran pintor: Wifredo Lam», Diario de la Marina, La Habana, 17 de mayo de 1942.

Nadie más que mi amigo Lam ha producido, con tanta sencillez, la unidad del mundo objetivo y el mundo mágico. Nadie más que él ha descubierto el secreto de la percepción física y la representación mental., cualidades que hemos buscado incansablemente en el surrealismo, porque el mayor drama de la conciencia moderna surge de la creciente separación de estas habilidades.

André Breton

(Fuente PL/Cuba Literaria)

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