Cintio Vitier (1921-2009) ocupa un lugar esencial en la historia cultural de Cuba y de América Latina. Su nombre está indisolublemente ligado a la Generación Orígenes, aquel grupo de escritores y pensadores que, bajo la guía de José Lezama Lima, renovó la poesía y el pensamiento cubano en la primera mitad del siglo XX. Vitier, junto a Eliseo Diego, Fina García Marruz y otros, aportó una visión crítica y espiritual que trascendió la literatura para convertirse en un proyecto cultural y ético.

La revista Orígenes fue el espacio donde se gestó una nueva sensibilidad poética, y Vitier se destacó como uno de sus pilares. Su escritura, marcada por la búsqueda de lo trascendente, se convirtió en un puente entre la tradición y la modernidad, entre lo nacional y lo universal.

El estudioso de José Martí

Uno de los aportes más significativos de Cintio Vitier fue su dedicación al estudio de la obra de José Martí. Para él, Martí no era solo el Apóstol de la independencia cubana, sino también un pensador universal cuya ética y visión humanista podían iluminar los caminos de la nación.

Vitier se convirtió en uno de los más rigurosos intérpretes del ideario martiano. Sus investigaciones, plasmadas en obras como Ese sol del mundo moral, revelan la profundidad filosófica y espiritual de Martí, situándolo como un referente imprescindible para comprender la identidad cubana. Gracias a Vitier, la figura de Martí adquirió nuevas dimensiones, no solo como héroe político, sino como guía moral y cultural.

Versatilidad y compromiso cultural

La obra de Cintio Vitier no se limita a la crítica literaria o al ensayo. Fue también un poeta de gran sensibilidad, capaz de conjugar lo íntimo con lo trascendente. Su poesía, marcada por la búsqueda de lo absoluto, refleja una espiritualidad que dialoga con la tradición cristiana y con la experiencia cubana.

Además, Vitier se desempeñó como narrador y ensayista, demostrando una versatilidad intelectual que lo convirtió en figura clave de la cultura nacional. Su compromiso con la educación y la formación ética de las nuevas generaciones se manifestó en su labor como profesor y en su participación en proyectos culturales de gran alcance.

Legado y trascendencia

El legado de Cintio Vitier es múltiple. Como poeta, dejó una obra que se inscribe en la tradición lírica cubana con un sello personalísimo. Como crítico y ensayista, iluminó la obra de Martí y contribuyó a consolidar una visión ética de la cultura. Como miembro de la Generación Orígenes, fue parte de un movimiento que transformó la literatura cubana y la proyectó hacia el mundo.

Su vida estuvo marcada por la coherencia entre pensamiento y acción. Vitier defendió siempre la idea de que la cultura debía ser un espacio de elevación moral y espiritual, capaz de orientar a la sociedad en tiempos de incertidumbre.

Hoy, su figura sigue siendo referencia obligada para quienes buscan comprender la identidad cubana y la relación entre literatura, ética y nación.

Escuche y descargue el episodio del podcast Encuentro:

La entrada Cintio Vitier: vida, obra y legado cultural se publicó primero en .

La delegación de la isla, encabezada por Alex Pausides, presidente de CubaPoesía y del Festival Internacional de Poesía de La Habana, llevó consigo no solo poemas, sino también la memoria de una tradición literaria que dialoga con las raíces milenarias de China. Pausides, acompañado de los poetas Ricardo Riveron de Santa Clara, Jorge Hernández Pérez, Virgilio López Lemus, entre otros intelectuales cubanos, compartió versos como:

«El arte, la literatura no tienen otra patria que no sean el lenguaje y los signos. El artista, el escritor, el poeta, tienen una única patria, la comarca natal que, expresión y suma de su etnos, de su nación, de su civilización, es también, la heredad amorosa y sustantiva con la que tributa a la humanidad toda…»

El encuentro no es únicamente un festival: es un gesto de diplomacia cultural. La presencia cubana en Luzhou reafirma una relación que se ha ido tejiendo con paciencia y afecto. En cada lectura, los versos de Pausides y de sus colegas cubanos se entrelazaron con los de poetas chinos, creando un diálogo Sur-Sur que trasciende fronteras políticas y geográficas.

Jidi Majia, anfitrión y presidente del festival, ha defendido la poesía como un espacio de diversidad y paz. Su visión de Luzhou como ciudad literaria se materializó en jornadas donde estudiantes escuchaban atentos, donde las antologías bilingües circulaban como semillas de futuro, y donde la palabra se celebraba como patrimonio común de la humanidad.

Cuba y China: versos compartidos

La relación entre ambos países se ha fortalecido en el terreno editorial: la Colección Sur en Cuba ha publicado antologías de poesía china, mientras que en China se han traducido y difundido obras de autores cubanos como Nicolás Guillén. Este intercambio editorial se refleja en el festival, donde los libros son tan protagonistas como los poetas.

La presencia de Cuba en Luzhou no es solo un acto cultural: es una declaración de principios. La poesía cubana, con su carga histórica y social, se proyecta en Asia como símbolo de resistencia y creatividad. Al mismo tiempo, la acogida china demuestra que la poesía sigue siendo un lenguaje universal capaz de tender puentes en tiempos de incertidumbre global.

La entrada Cuba y China se encuentran en versos: Luzhou abre sus puertas a la poesía se publicó primero en .

La iniciativa nació en el Seminternado “Dalquis Sánchez Pupo”, pero pronto se expandió a otras escuelas y rincones del municipio. Bajo la dirección de Maylen Alfonso García y la coordinación de Yaquelin Córdova Rodríguez, Roxana Figueredo Cruz y Delsis Lizandra Hernández López, el proyecto se ha consolidado como un espacio integral que abraza las cuatro grandes manifestaciones artísticas: danza, teatro, música y artes plásticas. Cada taller, cada ensayo y cada presentación es una oportunidad para que los pequeños artistas descubran su potencial y lo compartan con la comunidad.

Lo más interesante es que este proyecto no se queda encerrado en un salón de clases. Sus actividades llegan a barrios, teatros, hospitales, hogares maternos y hasta casas de ancianos. El arte se convierte en puente, en compañía, en medicina espiritual. Porque aquí no se trata solo de formar artistas, sino de sembrar valores: disciplina, cooperación, respeto y, sobre todo, sentido de pertenencia cultural.

La Casa Municipal de Cultura “Manuel Dositeo Aguilera Ochoa” y la Brigada de Instructores de Arte José Martí han sido pilares fundamentales para garantizar la calidad y sostenibilidad de esta propuesta. Con su apoyo metodológico y técnico, el proyecto ha podido mantener un enfoque estructurado, evaluando avances y resultados con rigor, pero sin perder la frescura y la alegría que caracteriza a sus protagonistas.

Los resultados hablan por sí solos: espacios permanentes para la práctica artística, niños y adolescentes que se convierten en promotores culturales en sus comunidades, talleres que potencian la creatividad y presentaciones que fortalecen la educación estética de todo un municipio. Y detrás de cada logro, un equipo comprometido que cree en la fuerza transformadora del arte.

La viabilidad del proyecto está garantizada por la infraestructura disponible —aulas, salones, teatros— y por la experiencia acumulada en estos ocho años de trabajo. Pero lo que realmente asegura su continuidad es el entusiasmo de los participantes y el apoyo de las familias y la comunidad. Aquí, el arte no es un lujo, es una necesidad compartida.

Un aspecto que merece destacarse es el enfoque de género. “Pequeños Artistas, Gigantes de Corazón” abre sus puertas a todos por igual: niñas, niños, adolescentes, mujeres y hombres. La equidad no es un discurso, es una práctica cotidiana. En cada danza, en cada obra de teatro, en cada mural, se reconocen y valoran los aportes diversos, contribuyendo a cerrar brechas y a construir un espacio inclusivo.

El sistema de seguimiento y evaluación también es clave. No se trata de improvisar, sino de medir la participación, registrar actividades y analizar indicadores de desempeño. La retroalimentación constante permite ajustar la planificación y mejorar la ejecución, asegurando que el proyecto siga creciendo y respondiendo a las necesidades de la comunidad.

 “Pequeños Artistas, Gigantes de Corazón” es mucho más que un proyecto sociocultural. Es un movimiento que ha sabido convertir la creatividad en herramienta de transformación, la disciplina en camino de crecimiento y la cultura en un bien común. Es la prueba de que el arte, cuando se comparte desde la infancia, no solo forma artistas, sino ciudadanos sensibles, comprometidos y orgullosos de su identidad.

Y es que en Holguín, gracias a este proyecto, los escenarios no tienen límites: pueden ser un aula, un parque o un hospital. Lo importante es que siempre habrá un niño o una niña dispuesto a cantar, bailar, actuar o pintar, recordándonos que el arte es, al final, la manera más hermosa de crecer juntos. 

Escuche y descargue el podcast Encuentro:

La entrada Encuentro con: “Pequeños Artistas, Gigantes de Corazón” se publicó primero en .

Este episodio del Podcast Encuentro es dedicado a su vida y obra:

Un origen humilde, una obra inmensa

Nacido en La Habana en 1922, Portillo de la Luz comenzó su vida laboral como pintor de brocha gorda. Sin embargo, la música lo reclamó pronto. Autodidacta en la guitarra, encontró en las cuerdas un lenguaje para expresar lo que las palabras no alcanzaban. Su sensibilidad lo llevó a componer canciones que, desde la primera nota, transmitían una verdad emocional difícil de ignorar.

En una Cuba marcada por la efervescencia cultural, Portillo se convirtió en uno de los fundadores del filin. Este estilo, influenciado por el jazz y la canción norteamericana, aportó nuevas armonías y un modo de interpretar que privilegiaba la cercanía y la sinceridad. El filin no era solo música: era conversación, era confidencia, era sentimiento compartido.

Éxitos que se volvieron universales

Entre sus composiciones más célebres se encuentran “Contigo en la distancia”, “Tú, mi delirio”, “Noche cubana” y “Realidad y fantasía”. Estas canciones no tardaron en cruzar fronteras y ser interpretadas por voces de distintas latitudes. Nat King Cole, José José, Luis Miguel, Christina Aguilera, Plácido Domingo y Caetano Veloso son solo algunos de los artistas que encontraron en la obra de Portillo un repertorio capaz de dialogar con públicos diversos.

La universalidad de sus canciones radica en su capacidad para convertir lo íntimo en universal. Portillo hablaba del amor, del deseo, de la nostalgia, pero lo hacía con un lenguaje poético que trascendía culturas. Por eso, sus temas se grabaron en múltiples idiomas y se convirtieron en clásicos del repertorio internacional.

La repercusión del filin

El aporte de Portillo al filin fue decisivo. Mientras otros compositores se mantenían en la estructura tradicional del bolero, él introdujo armonías complejas, cercanas al jazz, y una interpretación que privilegiaba la emoción sobre la técnica. El resultado fue un estilo que renovó la canción cubana y que influyó en generaciones posteriores de trovadores y cantautores.

El filin representó una ruptura y, al mismo tiempo, una continuidad. Rompía con la rigidez del bolero clásico, pero mantenía su esencia romántica. En ese equilibrio, Portillo encontró un espacio para desplegar su talento y dejar una huella imborrable.

Reconocimientos y legado

La trascendencia de su obra fue reconocida en múltiples ocasiones. En 2004 recibió el Premio Nacional de Música en Cuba, y en España se le otorgó el Premio Latino a Toda Una Vida. Estos galardones no solo celebraban su trayectoria, sino también el impacto cultural de su música en el ámbito internacional.

Hoy, hablar de César Portillo de la Luz es hablar de un símbolo de la identidad cubana. Sus canciones siguen siendo interpretadas, versionadas y estudiadas, porque en ellas se encuentra una síntesis perfecta entre tradición y modernidad, entre lo local y lo universal.

César Portillo de la Luz no fue simplemente un compositor de boleros: fue un creador de atmósferas, un narrador de emociones y un innovador que supo darle al bolero una nueva dimensión. Su obra en el filin abrió caminos para que la música cubana dialogara con el mundo, y sus canciones continúan siendo referentes de sensibilidad y autenticidad.

En tiempos donde la música se consume con rapidez, volver a Portillo es recordar que la verdadera canción es aquella que se canta con el alma y se escucha con el corazón. Su legado, más de un siglo después de su nacimiento, sigue vivo en cada interpretación que rescata la esencia del filin y en cada voz que se atreve a decir, con él: “Contigo en la distancia, amada mía, estoy”.

La entrada César Portillo de la Luz: la voz íntima del filin se publicó primero en .

 Su legado va más allá de la popularidad es un aporte decisivo a la consolidación de géneros como el son, el bolero y el mambo, y a la creación de un estilo que aún hoy define la identidad sonora de Cuba. 

Desde sus inicios en Santa Isabel de las Lajas, Benny mostró una capacidad innata para absorber las raíces campesinas y convertirlas en expresión artística. Esa conexión con lo popular fue la base de su autenticidad. Cuando llegó a La Habana y posteriormente a México, no solo se convirtió en intérprete reconocido, sino en embajador de la música cubana, llevando al público internacional la riqueza de los ritmos de la Isla. 

Su paso por el Conjunto Matamoros fue fundamental: allí aprendió la disciplina de las grandes agrupaciones y se consolidó como voz líder. En México grabó temas como Yiri Yiri Bon y Mucho corazón, que mostraron su versatilidad y lo posicionaron como figura capaz de competir con los grandes intérpretes del continente. 

El regreso a Cuba lo convirtió en protagonista de la radio y la televisión. Pero su mayor aporte fue la creación de la Banda Gigante en 1953. Esta agrupación no fue solo una orquesta: fue un laboratorio musical donde Benny impulsó arreglos modernos y fusionó géneros. Con ella, el son se revitalizó, el mambo alcanzó nuevas dimensiones y el bolero se convirtió en un espacio de sofisticación. 

Canciones como Bonito y sabroso y Francisco Guayabal son ejemplos claros de cómo Benny supo narrar la vida cotidiana con ritmo contagioso. En ellas se aprecia su capacidad de convertir lo popular en arte universal. Por otro lado, temas como Cómo fue y Dolor y perdón muestran su sensibilidad para el bolero, aportando interpretaciones que aún hoy se consideran insuperables. 

Su aporte también se mide en la manera en que integró músicos jóvenes y experimentados en la Banda Gigante, creando una escuela que formó generaciones. Benny no solo cantaba: dirigía, organizaba y proponía innovaciones que enriquecieron la música cubana.  Además, Benny fue un puente entre lo tradicional y lo moderno. Supo mantener la esencia del son montuno y la guaracha, pero al mismo tiempo incorporó influencias internacionales, logrando que la música cubana se mantuviera vigente y competitiva en escenarios globales.

La entrada Benny Moré: transformó la música cubana en patrimonio universal se publicó primero en .

Feijóo fue poeta, y en esa faceta dejó títulos como Camarada Celeste o Aventuras con los aguinaldos, donde se percibe su lirismo marcado por símbolos rurales y un lenguaje que mezcla lo culto con lo cotidiano. Pero también fue narrador, y ahí alcanzó una dimensión mayor con Juan Quinquín en Pueblo Mocho, novela que convirtió al campesino en protagonista de su propia epopeya, con humor y ternura. Ese personaje, llevado luego al cine, es hoy parte del imaginario cultural de Cuba. 

No se conformó con la literatura. Su curiosidad lo llevó al dibujo y la pintura, donde plasmó animales fantásticos, escenas rurales y figuras simbólicas. Sus exposiciones en Cuba y en el extranjero mostraron que su trazo era tan libre como su palabra. En cada cuadro, Feijóo buscaba rescatar lo popular y devolverlo transformado en arte. 

Pero si algo lo distingue es su papel como promotor cultural. Fundó la revista Signos en 1969, un espacio que se convirtió en laboratorio de pensamiento sobre la identidad cubana. Allí defendió la idea de que el arte popular no es ingenuo ni marginal, sino una forma legítima de conocimiento. Su impulso permitió que artistas campesinos y creadores populares tuvieran visibilidad y reconocimiento. 

Como ensayista, dejó estudios pioneros sobre mitología y cultura afrocubana y americana. Obras como El negro en la literatura folklórica cubana o Mitología cubana son referencia obligada para quienes buscan comprender la espiritualidad y los símbolos que conforman la identidad del continente. Feijóo entendía que la cultura es un tejido de voces y creencias, y que preservarlas era una forma de resistencia frente a la homogeneización moderna. 

Su vida fue también un ejemplo de autenticidad. No buscó fama ni academias, sino el diálogo con la raíz. En cada poema, dibujo o ensayo, se percibe la voz de un hombre que creó desde el asombro y la curiosidad, convencido de que la cultura cubana debía ser narrada desde sus propias entrañas. 

Recibió reconocimientos como la Medalla Nacional de Cultura y la Medalla Alejo Carpentier, pero su verdadero premio está en la memoria colectiva. Murió en La Habana en 1992, dejando una obra inmensa y diversa que aún hoy se estudia y se celebra. 

Samuel Feijóo fue, como lo definió La Jiribilla, “el personaje más versátil de la cultura cubana del siglo XX”. Su legado es un mapa para entendernos: un canto a la tierra, al mito y al hombre común convertido en creador. Su obra nos recuerda que la cultura no es solo erudición, sino también imaginación, trabajo y espíritu popular. 

En definitiva, Feijóo fue un artesano de la palabra y la imagen, un hombre múltiple que supo transformar lo cotidiano en arte y lo popular en patrimonio. Su vida y obra siguen siendo una invitación a mirar la cultura cubana con ojos curiosos, abiertos y profundamente humanos. 

El podcast Encuentro dedica este episodio a Samuel Feijóo

La entrada Samuel Feijóo: el hombre múltiple de la cultura cubana se publicó primero en .

Benito Antonio Fernández Ortiz, conocido universalmente como Ñico Saquito, nació el 13 de febrero de 1901 en Santiago de Cuba y murió en La Habana el 4 de agosto de 1982. Su infancia en el barrio del Tivolí, crisol de culturas y ritmos, marcó su destino musical. Sin formación académica, aprendió en los puertos, mercados y bares, donde descubrió que “la música no se escribe, se vive”. Ese aprendizaje empírico lo convirtió en un cronista de la vida cotidiana cubana, capaz de transformar la ironía popular en poesía sonora. A su sonoridad se dedica el nuevo episodio del podcast Encuentro.

De Santiago a La Habana: el nacimiento de un estilo

En los años veinte, Saquito se integró al círculo de trovadores de la calle Heredia, compartiendo con Sindo Garay y Manuel Corona, pero pronto se apartó del romanticismo trovadoresco para abrazar la guaracha y el son montuno. En 1934 fundó el Cuarteto Saquito, con el que grabó clásicos como María Cristina, Al vaivén de mi carreta y Adiós compay gato. Estas piezas, llenas de doble sentido y crítica social, trascendieron fronteras y consolidaron su fama como el guarachero de Oriente.

Durante los años cuarenta y cincuenta, Saquito alcanzó su madurez artística con Los Guaracheros de Oriente, agrupación que llevó su música a Venezuela, Puerto Rico, México y Nueva York. En sus giras, no solo exportó canciones, sino una filosofía de vida: la música como celebración colectiva y resistencia cultural. Su obra se convirtió en un espejo de la cubanía desenfadada, donde el humor servía para enfrentar la adversidad.

Exilio, regreso y legado

El triunfo de la Revolución en 1959 lo sorprendió fuera de Cuba. Vivió en Venezuela y Puerto Rico hasta su regreso definitivo en los años setenta. En La Habana, desde su apartamento en el Vedado, recibió a jóvenes músicos que lo consideraban un maestro. Su influencia se extendió a agrupaciones como Los Van Van y a la Nueva Trova, donde su estilo conversacional y su economía poética dejaron huella.

Saquito entendió el humor como una forma de resistencia. Sus letras, llenas de sobreentendidos y choteo, reflejan la capacidad del cubano para reírse de sí mismo y de sus circunstancias. Como señaló Samuel Feijóo, su obra es una “catarsis nacional”, donde la risa se convierte en arma contra la frustración y el autoritarismo.

A más de cuatro décadas de su muerte, Ñico Saquito continúa siendo referencia obligada de la música popular cubana. Su voz, su guitarra y su ingenio sobreviven en cada guaracha que invita a bailar y pensar. Escucharlo hoy es reencontrarse con una Cuba que canta sus penas con alegría y convierte la ironía en arte.

Escuche y descargue el episodio del Podcast Encuentro:

La entrada Ñico Saquito: el juglar que convirtió la picardía en arte mayor se publicó primero en .

Este emblemático escenario de la capital cubana ha sido testigo de presentaciones de artista nacionales e internacionales. A él dedicamos este episodio del podcast Encuentro.

El estreno del anfiteatro fue con la zarzuela Cecilia Valdés, por su propio creador Gonzalo Roig, posteriormente el público disfrutar de las presentaciones de Rita Montaner, Benny Moré, Rosita Fornés, Libertad Lamarque, así como puestas como el Fantasma de la ópera, La vuelta al musical en 70 minutos y El Rey León, distinguieron este peculiar recinto que tanto honra a la ciudad capital.

Como datos curiosos debemos mencionar que el lugar forma parte del área donde surgió la primera villa de La Habana, uno de los sitios fundacionales más importantes del país. Además durante las excavaciones arqueológicas aparecieron restos de antiguas construcciones coloniales que permitieron reconstruir parte de la evolución urbana del puerto.

El escenario está diseñado para integrarse visualmente con la bahía, de modo que el paisaje se convierta en parte del espectáculo. Su ubicación permite contemplar simultáneamente tres símbolos patrimoniales de La Habana: la bahía, el Morro y La Cabaña.

La entrada El Anfiteatro de La Habana: el escenario donde la ciudad aprendió a mirar al mar se publicó primero en .

En un mundo donde lo digital avanza a pasos agigantados, la BNJM ha sabido equilibrar tradición e innovación, convirtiéndose en un referente imprescindible para investigadores, estudiantes y amantes de la cultura. Acompáñanos en este recorrido de la historia de una institución con más de 100 años.

PODCAST ENCUENTRO

De un castillo colonial a la Plaza de la Revolución: una historia de resistencia

Los inicios de la Biblioteca Nacional fueron modestos: 3.000 volúmenes donados por su primer director, Domingo Figuerola Caneda, marcaron el arranque de una colección que hoy supera el millón de piezas. Pero el camino no fue fácil. Incendios, traslados precipitados y la humedad del trópico pusieron en riesgo tesoros irrepetibles.

Fue en 1952 cuando se colocó la primera piedra del edificio actual, en la emblemática Plaza Cívica (hoy Plaza de la Revolución), por iniciativa del intelectual Fernando Ortiz y en honor al natalicio de José Martí.

Cinco años después, en 1957, la institución se mudó a su sede definitiva: una torre de 15 pisos diseñada con criterios modernos de iluminación, conservación y acceso público.

Tras el triunfo revolucionario de 1959, la doctora María Teresa Freyre de Andrade redefinió su misión: ya no bastaba con guardar libros; había que democratizar el conocimiento.

Así nacieron departamentos especializados, la Escuela de Técnicos de Bibliotecas (1962) y una red nacional que llevó servicios bibliotecarios a los rincones más apartados del país.

Salas que son mundos: un viaje por sus colecciones especializadas

Una de las grandes fortalezas de la BNJM es su organización por salas temáticas, cada una con identidad propia y fondos únicos. Aquí algunas que no te puedes perder:

– Colección Cubana «Antonio Bachiller y Morales»: El corazón del patrimonio bibliográfico nacional. Aquí se resguardan libros, folletos y prensa de los siglos XVIII y XIX, además de la invaluable Colección Martiana.

– Sala de Música «León-Murguecia»: Un paraíso para melómanos. Conserva partituras manuscritas originales de Nicolás Ruiz Espadero y Gaspar Villate, así como la obra completa de Ernesto Lecuona.

– Sala de Arte «Wifredo Lam» y Sala de Etnología «Fernando Ortiz»: Espacios dedicados a las artes visuales y las raíces culturales afrodescendientes e indígenas de Cuba.

– Sala «Frank Emilio» para personas con necesidades especiales: Un ejemplo de inclusión, con recursos adaptados para garantizar el acceso universal al conocimiento.

Para acceder a estos fondos, basta con registrarse como usuario y solicitar el carné correspondiente. El personal especializado está siempre dispuesto a guiar tu búsqueda.

Del papel a la pantalla: la transformación digital de la BNJM

En la era de la inmediatez, la Biblioteca Nacional no se ha quedado atrás. Desde el año 2000 impulsa su Biblioteca Digital, que permite consultar en línea parte de su patrimonio documental.

Además, forma parte de redes internacionales como la Biblioteca Digital del Patrimonio Iberoamericano (BDPI) y dLOC, ampliando el acceso global a sus colecciones.

Aunque los desafíos tecnológicos y económicos persisten —especialmente tras la crisis de los años 90—, la institución ha reiniciado publicaciones clave como la Revista de la Biblioteca Nacional y fortalecido sus catálogos en línea.

Más que libros: por qué la BNJM sigue siendo relevante hoy

En tiempos de desinformación y contenidos efímeros, la Biblioteca Nacional de Cuba representa un faro de rigor, preservación y acceso crítico al conocimiento. No solo custodia el pasado: impulsa talleres, conferencias, exposiciones y programas de lectura que forman nuevas generaciones de ciudadanos conscientes.

Como escribió el poeta Miguel Ojeda en un homenaje reciente:

«Biblioteca Nacional / con Cuba como apellido». Esa esencia —ser guardiana y promotora de la identidad cubana— es lo que la mantiene viva, útil y necesaria.

La entrada Biblioteca Nacional de Cuba José Martí: guardando el alma de una nación se publicó primero en .

El nuevo episodio del Podcast Encuentro es dedicado a Teresita Fernández:

Su debut oficial como cantautora ocurrió en 1965 en la Sala Arlequín de La Habana, en un concierto donde compartió escenario con figuras como Sindo Garay y Bola de Nieve. Pero mucho antes ya había dejado huella en la televisión cubana con el programa infantil La casita de azúcar (1960), donde los títeres Pitusa y Eusebio se convirtieron en compañeros inseparables de su música. Desde entonces, Teresita se consolidó como una artista que no solo cantaba, sino que enseñaba, narraba y transmitía valores a través de sus canciones.

La música como pedagogía

Lo que distingue a Teresita Fernández dentro de la tradición trovadoresca cubana es su capacidad para convertir la canción en un recurso pedagógico. Sus temas infantiles, como “Mi gatico Vinagrito”, “Dame la mano y danzaremos” o “Tin, tin, la lluvia”, se convirtieron en clásicos que aún hoy se cantan en escuelas y hogares. En ellos no solo hay melodía y ritmo, sino también un mensaje de ternura, curiosidad y aprendizaje.

Además, musicalizó textos de grandes poetas como José Martí y Gabriela Mistral, acercando la literatura a los más pequeños. De esa manera, su obra se inscribe en un triángulo latinoamericano de maestros de la canción infantil junto a Francisco Gabilondo Soler, “Cri-Cri”, en México, y María Elena Walsh en Argentina. Cada uno, desde su país, demostró que la música para niños podía ser arte mayor y no un género menor.

La Peña de los Juglares

En 1974 fundó la célebre Peña de los Juglares en el Parque Lenin, un espacio cultural dominical que se convirtió en punto de encuentro para artistas de diversas disciplinas. Allí se dieron cita Alicia Alonso, Pablo Milanés, Antonio Gades y muchos otros. La peña no era solo un escenario musical, sino un espacio de diálogo cultural, donde la canción se mezclaba con la danza, el teatro y la poesía.

Ese espíritu integrador refleja la visión de Teresita: la cultura como un tejido colectivo, donde cada manifestación artística se nutre de la otra y donde los niños ocupan un lugar central.

Reconocimientos y legado

Su trayectoria fue reconocida con el Premio Nacional de Música en 2009, además de la Distinción por la Cultura Nacional y la Distinción por la Educación Cubana. También recibió el Premio Chamán en México y la Réplica del machete de Máximo Gómez, símbolos de respeto y admiración hacia su obra.

Pero más allá de los galardones, su verdadero premio fue el cariño de generaciones de cubanos que crecieron con sus canciones. Teresita supo que la música infantil no era un entretenimiento pasajero, sino una forma de sembrar valores y sensibilidad en los más jóvenes.

Influencia en otros artistas

Su legado se proyecta en la obra de trovadores posteriores. Silvio Rodríguez encontró en Teresita un espacio para mostrar sus primeras composiciones, y Liuba María Hevia ha reconocido que su acercamiento a la música infantil estuvo marcado por la influencia de la trovadora mayor. También artistas como Sara González, Amaury Pérez y Pablo Milanés participaron en homenajes discográficos que rescataron su repertorio, demostrando que su obra sigue viva en la nueva trova y en la canción cubana contemporánea.

Recordar a Teresita Fernández es recordar a una mujer que convirtió la música en un acto de amor y enseñanza. Su voz, cálida y cercana, sigue resonando en las aulas, en los parques y en los hogares cubanos. Fue una artista que entendió que la infancia merece canciones inteligentes, sensibles y poéticas, y que esas canciones pueden acompañar a los niños en su crecimiento.

Hoy, cuando se habla de patrimonio cultural cubano, su nombre aparece junto al de los grandes trovadores. Pero Teresita tiene un lugar especial: el de haber cantado para los más pequeños, sembrando en ellos la semilla de la curiosidad y la ternura. Su obra nos recuerda que la música infantil es también música mayor, y que en cada verso suyo late la certeza de que educar y cantar son, en esencia, la misma cosa.

La entrada Teresita Fernández: la trovadora mayor que cantó para los niños de Cuba se publicó primero en .

Escuche y descargue el podcast Encuentro:

Hoy, cuando el tiempo nos permite escuchar su legado con la distancia necesaria, resulta ineludible repasar la trayectoria de quien fuera Premio Nacional de Música de Cuba en 2020 y miembro votante de la Academia de Hollywood desde 2017. Porque Edesio no fue solo un compositor: fue un visionario que entendió que la música, en escena o en celuloide, nunca es decoración, sino respiración pura del alma.

De las aulas del conservatorio a la vanguardia electroacústica

La solidez técnica de Edesio Alejandro no fue casualidad, sino fruto de una formación meticulosa que combinó lo mejor de la tradición académica con la experimentación más audaz. Todo comenzó en 1971, cuando ingresó al Conservatorio Alejandro García Caturla bajo la tutela de maestras como Clara Nicola en guitarra.

Pero Alejandro no se conformó con el canon, continuó su preparación en el Conservatorio Amadeo Roldán, donde se graduó de nivel medio con Flores Chaviano y cursó asignaturas fundamentales: solfeo, teoría, armonía, contrapunto, morfología, orquestación y piano. Esta base académica le proporcionó el lenguaje necesario para dialogar con la tradición clásica, pero su curiosidad lo llevó más allá.

Recibió clases magistrales de Leo Brouwer, referente mundial de la guitarra y la composición, y del venezolano Antonio Lauro. Más tarde, profundizó en cursos superiores con Guido López-Gavilán en dirección de orquesta, con Jorge García Porrúa en composición y con Juan Blanco en electroacústica.

Esta tríada de maestros representa simbólicamente los tres ejes de su lenguaje: la raíz cubana reinterpretada, la disciplina orquestal y la exploración tecnológica. No es casual que, años después, Alejandro fuera capaz de mezclar sintetizadores con orquesta sinfónica, o de integrar actores con bandas magnetofónicas: esa hibridez nació en las aulas, pero se consolidó en la práctica constante.

Su carrera profesional despegó en 1976, en el legendario Teatro Martí, con la obra “Guerrilleros del Altiplano”. Desde ese primer escalón, quedó claro que su música no estaría confinada a un solo género ni a un único espacio escénico.

Creación de un sonido propio: del jazz a la fusión universal

A finales de 1998, fundó su propio grupo, un hecho que «implicó una nueva concepción en su carrera artística» y le permitió ganar «un lugar destacado en la preferencia del público», según registra la documentación disponible. Con esta formación, realizó giras nacionales, conciertos en universidades, presentaciones televisivas y filmó videoclips que ampliaron su visibilidad más allá de los circuitos especializados.

Sin embargo, fue a finales de los años 2000 cuando dio un paso aún más ambicioso: la creación de La Orquesta Mágica de La Habana. Para este proyecto, invitó a participar como cantantes a Alfonsín Quintana, Natalia Herrera y Adriano Rodríguez, tres figuras consagradas de la música cubana. El objetivo era promover nuevas canciones compuestas por autores contemporáneos, pero con el estilo de las llamadas «décadas de oro» de la música cubana.

Aquí vino la verdadera revolución: Alejandro no se limitó a replicar fórmulas del pasado. Su gran aporte fue lograr la fusión de lo cubano con elementos de la música internacional en un empaque nuevo, una forma de sonar diferente, no empleada ni escuchada antes. Utilizó raíces cubanas expresadas en la rumba, la conga y el son, y las mezcló de manera inusual con rap, funk, soul y hip-hop.

El resultado, descrito por algunos críticos como «Afro-Cu-Hop», era una forma ecléctica de música cubana de origen marginal y popular, interpretada con instrumentos tradicionales mezclados con sintetizadores. Esta propuesta no solo fue innovadora en Cuba, sino que trascendió fronteras: su CD Black Angel, lanzado en Europa en 1999, incluyó el tema Blen blen, que ocupó durante varias semanas el primer lugar en los Dance Fluor Charts de MTV Europa. Tanto Black Angel como Orisha Dreams fueron seleccionados entre los 180 mejores discos del año de World Music en Europa, un reconocimiento que validó su apuesta por una cubanidad abierta al mundo.

El teatro como laboratorio: más de 40 obras donde la música es protagonista

Quizás el terreno donde la versatilidad de Edesio Alejandro se expresó con mayor contundencia fue el teatro. Según los registros, dirigió y orquestó la música de más de 40 obras de teatro para un buen número de las agrupaciones teatrales del país. Esta cifra no es solo un dato cuantitativo: habla de una presencia constante, de un compositor que entendió que la música escénica no es un adorno, sino un personaje más del drama.

Su enfoque se caracterizó por la experimentación: en sus obras electroacústicas, incluía sintetizadores en la orquesta sinfónica o mezclaba actores con bandas magnetofónicas, bailarines y músicos, adaptando cualquier elemento expresivo a sus propósitos. Esta disposición a romper fronteras le permitió trabajar con directores que buscaban lenguajes escénicos renovados.

Entre sus estrenos teatrales más significativos destacan Violente, una ópera-rock presentada en el Teatro Nacional de Cuba durante el Congreso del ITI (Instituto Internacional de Teatro), y Juana de Berciel, una performance estrenada en el V Festival Internacional de Música Electroacústica Primavera en Varadero en 1991.

Su capacidad para servir al texto sin perder identidad propia le valió reconocimientos tempranos: obtuvo el Premio de Música en el II Festival de Teatro de La Habana por El amor no es un sueño de verano, y el Premio de música en el Primer Festival Latinoamericano de Teatro, Camagüey 90.

Para Alejandro, el teatro fue un espacio de libertad creativa donde pudo probar combinaciones que luego trasladaría al cine o a sus proyectos discográficos. Entendió que la música en el escenario no debía subrayar, sino revelar; no acompañar, sino contradecir, sugerir, interrogar. Trabajó con directores que exigían de sus compositores una mirada dramaturga, no solo técnica, y respondió con partituras donde la percusión era diálogo, donde los vientos respiraban con los actores, donde el silencio estaba tan calculado como la nota más aguda.

Cine cubano: una filmografía que es mapa sonoro de una nación

La filmografía de Edesio Alejandro es un recorrido por más de cuatro décadas de cine cubano. Desde su primera banda sonora para el documental El desastre del Barcáiztegui (1983) hasta su participación en Adiós, Cuba (2024), de Rolando Díaz, Alejandro sonorizó largometrajes, documentales, cortometrajes y dibujos animados producidos por el ICAIC, el ICRT, la Escuela Internacional de Cine y otras instituciones.

Entre toda su vasta obra, hay una película que ocupa un lugar especial en el corazón de Edesio Alejandro: Clandestinos (1987), largometraje del ICAIC dirigido por Fernando Pérez. Esta banda sonora le valió el Premio Caracol de la UNEAC a la mejor banda sonora de largometraje en 1988, pero su importancia trasciende cualquier reconocimiento institucional.

Clandestinos aborda la lucha clandestina contra la dictadura de Batista, un tema que exige de la música no solo acompañamiento, sino profundidad histórica y sensibilidad emocional. Alejandro comprendió que la partitura debía evocar la tensión de la clandestinidad, la esperanza de la resistencia y el dolor de la pérdida, sin caer en el melodrama ni en la épica vacía.

Para lograrlo, combinó elementos de la música cubana tradicional con texturas contemporáneas, creando una atmósfera que complementaba la narrativa visual sin imponerse sobre ella. Usó piano solitario con líneas de bajo sinfónico, percusión mínima con estallidos de brass, melodías que evocaban la canción cubana sin citarla directamente. Era un sonido de interioridad, de calles vacías, de maletas preparadas en silencio.

Para un compositor que siempre buscó fusionar lo local con lo universal, Clandestinos fue el primer gran ejercicio de síntesis: cubanidad rítmica al servicio de una narrativa histórica, sin folklorismo, sin concesiones. Significó una catarsis creativa que le permitió explorar la idea de que la música cinematográfica, en su forma más pura, no busca ser recordada, sino ser sentida. Le enseñó que la emoción más honesta a menudo reside en lo que no se dice, en el espacio entre dos acordes, en la respiración antes de la entrada de la trompeta.

Edesio Alejandro fue, ante todo, un oyente profundo: de la tradición cubana, de las vanguardias internacionales, de las emociones humanas. Y esa escucha atenta se tradujo en una obra que no busca imponerse, sino acompañar; no busca demostrar, sino revelar.

Hoy, cuando la música cubana atraviesa nuevas transformaciones, la figura de Edesio Alejandro sigue siendo un faro: el de un creador que supo que la verdadera innovación no está en romper con el pasado, sino en escucharlo con honestidad y traducirlo con valentía.

En un mundo saturado de ruido, su partitura sigue siendo un recordatorio: que lo más permanente no es lo que más suena, sino lo que, al callar, nos obliga a seguir escuchando. Y en esa escucha, Cuba, el cine, el teatro y la memoria encuentran, una vez más, su frecuencia común.

La entrada Edesio Alejandro: El arquitecto sonoro que revolucionó el cine y el teatro cubano se publicó primero en .

Si te apasiona el arte latinoamericano o simplemente quieres conocer a uno de los artistas más fascinantes de nuestra región, este nuevo episodio del podcast Encuentro es dedicado al artista.

Escuche y descargue el Podcast Encuentro:

De Sagua la Grande al mundo

Nacido un 8 de diciembre de 1902 en Sagua la Grande, Villa Clara, Lam cargaba en su ADN la esencia misma del Caribe: hijo de un inmigrante chino y una madre de ascendencia africana y española. Esta mezcla no fue un dato curioso en su biografía, sino la savia que alimentó toda su obra.

Después de formarse en la Academia de San Alejandro en La Habana, donde aprendió las técnicas clásicas que pronto cuestionaría, se marchó a Madrid en 1923. Pero fue la tragedia personal —perdió a su madre y a su esposa durante la Guerra Civil española— lo que lo empujó a París, donde todo cambiaría.

El encuentro con la vanguardia

En París, Lam codeó con los grandes. Su amistad con Pablo Picasso y su acercamiento al surrealismo le abrieron las puertas de una libertad creativa sin precedentes. Allí entendió que podía dejar atrás el academicismo y abrazar la desfiguración expresiva como herramienta de conocimiento.

Sin embargo, el verdadero momento de revelación llegó con su regreso a Cuba en 1941. Fue entonces cuando Lam encontró su voz propia, esa que lo convertiría en uno de los artistas latinoamericanos más importantes del siglo XX.

La Jungla: su obra maestra

En 1943 pintó «La Jungla», obra que es mucho más que un cuadro: es la condensación de su visión del Caribe. Figuras híbridas, miembros que se afilan como lanzas, rostros que evocan máscaras africanas y yorubas, y una atmósfera que oscila entre lo sagrado y lo profano.

Lo revolucionario de Lam es que no cayó en el exotismo fácil. Rechazó la mirada colonial que folklorizaba lo afrocaribeño y, en su lugar, lo elevó a categoría universal. Obras como «Yemayá», «El tercer mundo» o «La novia» demuestran un dominio magistral del claroscuro y una paleta donde el negro, el ocre y el blanco funcionan como símbolos de resistencia, memoria y trascendencia.

Un lenguaje visual único

¿Qué hace tan especial la obra de Lam? La característica más inmediatamente reconocible de la obra de Lam es la hibridación morfológica. Sus figuras no aspiran al naturalismo académico, sino que se configuran como entidades liminales que oscilan entre lo humano, lo vegetal y lo animal.

Las extremidades se prolongan en cuchillas o lanzas, los torsos se fragmentan, los rostros se vacían en máscaras con ojos almendrados y bocas entreabiertas. Esta descomposición anatómica no responde al capricho formalista, sino a una concepción ritual del cuerpo: en Lam, la figura es un recipiente de fuerzas invisibles, un médium entre lo terrenal y lo sagrado. La composición, por su parte, rechaza la perspectiva renacentista y la profundidad ilusoria.

El espacio se aplanó, se volvió rítmico, casi táctil, donde las figuras se superponen en un entramado denso que evoca tanto la vegetación tropical como la disposición sagrada de los altares de la Regla de Ocha.

El tratamiento del color en Lam es igualmente deliberado y simbólico. Abandonó tempranamente la paleta cromática convencional para centrarse en una gama restringida donde el negro, el blanco, el ocre y los verdes apagados operan como categorías filosóficas antes que decorativas. El negro no es ausencia de luz, sino presencia ancestral, tierra húmeda, noche ritual.

El blanco funciona como corte, como vacío fértil, como la cal de los muros coloniales y el algodón de las vestiduras sacerdotales. Técnicamente, dominó el óleo con pinceladas seguras y empastes controlados, pero también exploró la gouache, el dibujo a tinta, la litografía, el grabado y la escultura en cerámica y bronce. Esta versatilidad material refleja su concepción del arte como práctica total, donde el soporte no impone límites, sino que se adapta a la urgencia del mensaje.

En el plano temático, Lam construyó una iconografía sincretista que rechaza el exotismo etnográfico para erigir un lenguaje de resistencia cultural. Las máscaras, los bastones rituales, las hojas de tabaco, los cuchillos y las figuras femeninas de pechos alados no son citas decorativas, sino gramática visual de un Caribe que se reconoce a sí mismo.

Su obra dialoga explícitamente con la religión yoruba, el vudú haitiano y el espiritismo cubano, pero nunca como ilustración dogmática. Lam traduce lo religioso a lo poético, lo sagrado a lo político.

En contextos de posguerra y dictaduras latinoamericanas, sus lienzos funcionaron como alegorías antifascistas y anticoloniales, donde la “jungla” no es un paraíso perdido, sino un espacio de confrontación histórica, sincretismo y renacimiento identitario.

Es crucial señalar que esta madurez estilística no surgió de la nada. Sus primeros años en la Academia de San Alejandro y su etapa madrileña muestran un dominio académico riguroso y una breve incursión en el cubismo analítico. Fue en París, bajo la tutela intelectual de Picasso y el círculo surrealista de André Breton, donde encontró las herramientas para liberar su mirada.

Sin embargo, Lam no se subordinó a ninguna escuela. Asimiló el automatismo surrealista, pero lo ancló en la conciencia histórica; tomó la desfiguración picassiana, pero la cargó de significados caribeños. Esta síntesis es lo que lo distingue: un modernismo que no imita centros hegemónicos, sino que los descentra desde la periferia, demostrando que la innovación puede nacer del encuentro entre tradiciones silenciadas y vanguardia formal.

Aunque vivió gran parte de su vida entre París, Nueva York y otras capitales, Lam nunca perdió el vínculo con Cuba. Después del triunfo de la Revolución en 1959, regresó con frecuencia, participó en proyectos culturales, donó obras a museos nacionales y apoyó a las nuevas generaciones de artistas.

Su legado trasciende las paredes de los museos. Inspiró a la Generación de los 80, a creadores contemporáneos que exploran el sincretismo religioso y la diáspora, y a curadores que hoy reivindican el Sur Global en los circuitos del arte internacional.

Wilfredo Lam no pintó para agradar, sino para interpelar. Su pincel fue un instrumento de decolonización visual, un puente entre Cuba y el mundo, entre lo ancestral y lo contemporáneo. A casi 80 años de «La Jungla», su obra sigue tan vigente como el primer día, recordándonos que el arte auténtico es siempre un acto de memoria y de futuro.

La entrada Wilfredo Lam: El artista que pintó el alma mestiza de Cuba se publicó primero en .