Dueño de una personalidad carismática, una creatividad inagotable y un singular dominio del doble sentido, se convirtió en una de las voces más representativas de la guaracha y el son tradicional cubano. Este nuevo episodio del Podcast Encuentro es dedicado a su talento y música.

Nacido en Holguín el 4 de junio de 1911 y fallecido en esa misma ciudad el 27 de marzo de 2007, su trayectoria artística abarcó más de ocho décadas, un recorrido extraordinario que lo llevó de las serenatas y los conjuntos tradicionales del oriente cubano a convertirse en una referencia imprescindible de la cultura nacional.

Desde muy joven mostró inclinación por la música. A los quince años integró el Septeto La Tropical como maraquero, iniciando un aprendizaje que desarrolló fundamentalmente de manera autodidacta. Más tarde dominaría instrumentos como la guitarra, el tres y el contrabajo, herramientas que le permitieron construir una obra profundamente conectada con las tradiciones musicales del país.

Su formación no surgió de academias ni conservatorios. Como él mismo reconocía, aprendió «a pura guataca», escuchando a otros músicos y absorbiendo las influencias de los grupos populares que actuaban en su entorno. Aquella experiencia directa con el pueblo y sus costumbres sería determinante en la construcción de un repertorio que retrata la esencia misma de la vida cubana.

El origen de un nombre inolvidable

La historia detrás de su sobrenombre forma parte ya de la leyenda popular cubana. Según contó el propio artista, una presentación en un lugar conocido como Guayabero terminó de manera precipitada tras despertar los celos del esposo de una mujer con quien había simpatizado. De aquella anécdota nacería la canción En Guayabero, tema que alcanzó notable popularidad y que terminó identificándolo para siempre. Desde entonces, el público dejó de llamarlo por su nombre de nacimiento para conocerlo simplemente como El Guayabero.

Aquel sobrenombre acabaría convirtiéndose en una marca artística inseparable de su imagen: un hombre alto y delgado, vestido frecuentemente de blanco, con sombrero de pajilla y una sonrisa pícara que parecía anticipar las ingeniosas historias contenidas en sus canciones.

El arte de la picardía inteligente

Uno de los rasgos más distintivos de la obra de El Guayabero fue su manejo magistral del doble sentido. Sin recurrir a la vulgaridad, construyó textos cargados de humor e inteligencia que invitaban al oyente a completar el significado de cada historia.

El propio trovador insistía en que sus canciones eran interpretadas de múltiples maneras por el público y que él escribía con absoluta seriedad. Esa combinación entre ingenio, observación social y ambigüedad creativa le permitió desarrollar un estilo único dentro de la música cubana.

Canciones como Cómo baila Marieta, Amarren al perro, Para la niña y pa’ la señora, Faustino sí toca el son y En Guayabero reflejan una capacidad excepcional para narrar acontecimientos cotidianos mediante un lenguaje festivo y profundamente popular.

Su repertorio se convirtió en un espejo de la sociedad cubana, donde convivían el humor, las relaciones humanas, las tradiciones campesinas y urbanas, así como las expresiones lingüísticas más genuinas del pueblo.

Un defensor de la guaracha y el son

Especialistas e investigadores consideran a El Guayabero una figura clave dentro de la evolución de la guaracha cubana. Su trabajo enlazó la tradición juglaresca, la picaresca popular y las raíces del son oriental, convirtiéndolo en uno de los más importantes exponentes de ese patrimonio musical.

Durante muchos años su obra enfrentó obstáculos para alcanzar mayor difusión discográfica. Según recoge la Colección Gladys Palmera, determinados sectores culturales consideraban que sus canciones podían resultar demasiado atrevidas para los estándares oficiales de la época. La defensa realizada por José Julián Padilla Sánchez resultó fundamental para que su música lograra ser grabada y difundida.

Gracias a ese respaldo vio la luz el álbum El Guayabero y posteriormente otras producciones que permitieron preservar una parte esencial de su legado artístico. Entre los temas más representativos de esos registros figuran Mañana me voy, Compositor confundido, El tumbaíto, Pagando y pirando, Cuidado con el perro, Cómo baila Marieta y Los abuelos se rebelan.

Reconocimientos y prestigio cultural

La trayectoria de Faustino Oramas recibió importantes reconocimientos a lo largo de los años. Entre ellos destacan la Orden Félix Varela de Primer Grado, la Distinción por la Cultura Nacional y el Premio Nacional de Humorismo, galardones que reconocieron no solo su calidad artística sino también su contribución a la preservación de la identidad cultural cubana.

Sin embargo, más allá de los premios, su mayor reconocimiento fue la permanencia de sus canciones en la memoria popular. Varias generaciones crecieron escuchando sus composiciones y encontrando en ellas una representación auténtica de la manera cubana de entender la vida: con alegría, ironía y optimismo.

Legado musical

El legado de El Guayabero trasciende ampliamente su discografía. Su obra constituye un documento sonoro de gran valor para comprender la cultura popular cubana del siglo XX. A través de sus canciones quedó registrada una manera particular de hablar, de relacionarse y de interpretar la realidad desde la perspectiva del humor y la creatividad popular.

Su influencia puede apreciarse en numerosos intérpretes y compositores que han encontrado inspiración en su capacidad para combinar poesía popular, narración costumbrista y crítica social. Asimismo, ayudó a legitimar la guaracha y el doble sentido como expresiones artísticas de gran riqueza cultural, desmontando prejuicios que durante años intentaron relegar estas manifestaciones a un segundo plano.

El legado del músico holguinero también permanece vivo gracias a la difusión internacional de algunas de sus composiciones. El tema Candela, popularizado mundialmente a través del proyecto Buena Vista Social Club, contribuyó a acercar la obra de El Guayabero a nuevas audiencias fuera de Cuba.

Más de un siglo después de su nacimiento, El Guayabero continúa siendo una referencia indispensable de la música tradicional cubana. Su repertorio conserva intacta la frescura que lo hizo popular, mientras su figura permanece asociada a valores profundamente arraigados en la identidad nacional: el ingenio, la espontaneidad, la cubanía y la capacidad de encontrar motivos para sonreír incluso en las circunstancias más difíciles.

Su voz sigue resonando como la de un auténtico juglar del pueblo, un artista que hizo del son y la guaracha una celebración permanente de la vida cotidiana y que, gracias a su talento excepcional, logró convertir la picardía popular en patrimonio cultural de Cuba.

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Su vida estuvo marcada por la lectura, la improvisación, el periodismo y una profunda relación con las tradiciones de Cuba. Hay poetas que escriben versos y hay otros que consiguen que una parte de la memoria de un país parezca hablar a través de ellos. Jesús Orta Ruiz pertenece a esa segunda categoría.

Cuando se pronuncia el nombre Indio Naborí, inmediatamente aparece la imagen del poeta ligado a la décima, al campo cubano, al repentismo y a aquellas controversias donde dos improvisadores podían enfrentarse únicamente con la fuerza de sus palabras. Pero reducir a Naborí a la condición de repentista sería insuficiente.

Su trayectoria fue mucho más amplia. Fue un hombre de letras que transitó por la poesía, el periodismo, el ensayo, la investigación del folclor y las tradiciones populares. Y, sobre todo, fue un escritor que consiguió establecer un puente entre la cultura popular y la literatura escrita.

¿Quién fue Jesús Orta Ruiz, el Indio Naborí?

Jesús Orta Ruiz nació el 30 de septiembre de 1922, en la finca Los Zapotes, en la zona de San Miguel del Padrón, entonces perteneciente a la provincia de La Habana. Creció en un ambiente campesino donde la tradición oral, la música y la décima formaban parte de la vida cotidiana. Ese entorno fue determinante para su formación.

La décima no llegó a él como una materia escolar. Llegó como parte de la vida. Era la poesía que podía escucharse en las reuniones campesinas, en las canturías y en las voces de los improvisadores.

Desde muy joven comenzó a demostrar aptitudes para la improvisación. Pero junto al talento natural apareció otra característica que marcaría su trayectoria: una enorme curiosidad intelectual.

Naborí no se conformó con improvisar versos. Estudió la poesía, la métrica y las diferentes formas de versificación. Leyó a autores clásicos y cubanos y fue enriqueciendo aquella tradición oral que había recibido del mundo campesino. De esta manera consiguió algo particularmente importante: llevar la décima popular hacia espacios de mayor elaboración literaria sin despojarla de su esencia.

¿Por qué se llamó Indio Naborí?

El seudónimo también tiene una historia relacionada con su manera de entender la poesía. En lugar de identificarse con el término «cacique», utilizado por algunos cantores populares de la época, Jesús Orta Ruiz escogió Naborí, palabra asociada al indígena dedicado al trabajo y a las labores de la comunidad.

No fue un nombre escogido al azar. Encerraba una declaración de principios: identificarse con quien trabaja la tierra y con las raíces populares de Cuba. Con el tiempo, aquel seudónimo terminó siendo más conocido que su propio nombre.

Así nació literariamente el Indio Naborí, una figura que conseguiría convertirse en uno de los grandes referentes de la décima cubana del siglo XX.

De las canturías a la radio

La radio fue uno de los grandes escenarios que ayudaron a convertir a Naborí en una figura popular.

Siendo todavía muy joven participó en programas de improvisadores. Entre ellos estuvo La Corte Guajira, espacio de Radio Progreso que contribuyó a proyectar a numerosos cultores de la música campesina y el repentismo. Investigaciones sobre su trayectoria sitúan alrededor de los 17 o 18 años sus primeras experiencias importantes ante el público radial.

La décima, que durante mucho tiempo estuvo asociada fundamentalmente con los espacios rurales y las reuniones campesinas, comenzó a llegar a una audiencia mucho mayor.

Y Naborí tenía una cualidad particular: podía improvisar, pero también podía construir imágenes poéticas de gran profundidad.

Su universo creativo fue ampliándose hasta abarcar tres grandes vertientes reconocibles en su poesía: la campesina, la social y la autobiográfica.

La Controversia del Siglo: cuando la poesía reunió a miles

Hablar del Indio Naborí obliga a detenerse en uno de los episodios más célebres de la historia del repentismo cubano: la llamada Controversia del Siglo. En 1955, Jesús Orta Ruiz se enfrentó poéticamente con Angelito Valiente, otro de los grandes improvisadores cubanos.

El primer encuentro tuvo lugar el 15 de junio de 1955 en el Teatro Casino Español de San Antonio de los Baños. Posteriormente, el 28 de agosto de ese mismo año, ambos volvieron a enfrentarse en Campo Armada, en La Habana, en una segunda controversia que funcionó como desempate.

Lo extraordinario de aquellos encuentros no fue solamente la calidad de los improvisadores. Fue la capacidad de la poesía oral para convertirse en un acontecimiento multitudinario.

En Campo Armada se congregaron miles de personas para escuchar a dos hombres enfrentarse con versos improvisados. Las investigaciones sobre el acontecimiento señalan que la segunda controversia llegó a reunir a más de diez mil espectadores.

Los temas propuestos trascendían la simple competencia entre repentistas. Aparecieron asuntos como el amor, la muerte, la libertad, la esperanza y el campesino.

De esta manera, la controversia demostraba que la décima podía hablar de asuntos universales sin abandonar sus raíces populares. Y allí estaba una de las grandes virtudes de Naborí: convertir la improvisación en literatura sin perder la comunicación directa con el público.

Más allá del repentismo: el escritor

Aunque la Controversia del Siglo ayudó a convertirlo en leyenda, la verdadera dimensión de Jesús Orta Ruiz se comprende cuando se observa su obra escrita. Naborí publicó poesía, ensayos, investigaciones sobre folclor y tradiciones, textos literarios y una amplia producción periodística.

Entre sus libros aparecen títulos como Guardarraya sonora, Estampas y elegías, Boda profunda, Entre, y perdone usted y La medida de un suspiro, entre otros. Su bibliografía incluye además numerosos textos vinculados con la décima, la cultura campesina y la literatura cubana.

En su obra puede observarse una preocupación constante por conservar la memoria. El paisaje rural, los campesinos, los sentimientos, las transformaciones sociales, la historia y las experiencias personales aparecen convertidos en materia poética. Por eso su poesía no debe entenderse solamente como una expresión del campo cubano. También es un testimonio de diferentes épocas de Cuba.

Naborí y el periodismo

Existe otro aspecto de su trayectoria que a veces queda relegado cuando se habla de él: su condición de periodista. Jesús Orta Ruiz desarrolló una importante labor periodística y obtuvo reconocimientos relacionados con este ejercicio profesional. Su escritura periodística conservaba, además, una característica propia del poeta: una mirada subjetiva y sensible sobre los temas que abordaba.

El periodismo le permitió observar la realidad desde otro ángulo. Mientras la poesía podía detenerse en una emoción, una imagen o un recuerdo, el periodista debía dialogar con la actualidad.

Una poesía entre lo popular y lo culto

Quizás uno de los mayores aportes de Jesús Orta Ruiz fue precisamente demostrar que la cultura popular no tenía por qué estar separada de la literatura considerada «culta».

Su formación comenzó en un ambiente campesino, pero su curiosidad intelectual lo llevó hacia la lectura y el estudio de las formas poéticas. El resultado fue una obra capaz de moverse entre la tradición oral y la literatura escrita.

Estudiosos del repentismo han llegado incluso a utilizar la figura de Naborí como punto de referencia para explicar diferentes etapas de la evolución de la poesía improvisada en Cuba. La llamada «generación naboriana» se convirtió así en una categoría para comprender la influencia ejercida por su obra y su estilo sobre otros repentistas. Eso significa que Naborí no fue solamente un gran representante de una tradición. También fue un transformador de esa tradición.

El reconocimiento a una vida dedicada a la cultura

La importancia de Jesús Orta Ruiz fue reconocida con numerosos premios y distinciones. Entre ellos destaca el Premio Nacional de Literatura, recibido en 1995. También obtuvo la Distinción por la Cultura Nacional y otros reconocimientos vinculados con su trabajo periodístico y cultural.

Sus poemas fueron incluidos en numerosas antologías cubanas y traducidos a diferentes idiomas, entre ellos inglés, francés, italiano, ruso y chino. Pero quizás el reconocimiento más importante no pueda medirse mediante premios. Está en la permanencia de sus versos. Está en los repentistas que todavía lo consideran una referencia.

Está en quienes continúan estudiando la décima cubana. Y está en la memoria de quienes escucharon aquella voz capaz de convertir una controversia improvisada en un acontecimiento cultural.

El Indio Naborí consiguió algo que muy pocos escritores alcanzan: ser reconocido por los especialistas y, al mismo tiempo, permanecer profundamente conectado con el pueblo.

Fue repentista y poeta. Fue periodista e investigador. Fue estudioso de la décima y, a la vez, protagonista de una de las grandes páginas del repentismo cubano.

Pero sobre todo fue un hombre que entendió que la identidad cultural también vive en las palabras sencillas, en las tradiciones transmitidas de generación en generación y en esa manera tan cubana de contar la vida cantando.

Por eso, muchos años después de su muerte, Jesús Orta Ruiz, el Indio Naborí, continúa siendo una figura imprescindible para comprender la literatura, la décima, el repentismo y la cultura popular de Cuba.

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Cintio Vitier (1921-2009) ocupa un lugar esencial en la historia cultural de Cuba y de América Latina. Su nombre está indisolublemente ligado a la Generación Orígenes, aquel grupo de escritores y pensadores que, bajo la guía de José Lezama Lima, renovó la poesía y el pensamiento cubano en la primera mitad del siglo XX. Vitier, junto a Eliseo Diego, Fina García Marruz y otros, aportó una visión crítica y espiritual que trascendió la literatura para convertirse en un proyecto cultural y ético.

La revista Orígenes fue el espacio donde se gestó una nueva sensibilidad poética, y Vitier se destacó como uno de sus pilares. Su escritura, marcada por la búsqueda de lo trascendente, se convirtió en un puente entre la tradición y la modernidad, entre lo nacional y lo universal.

El estudioso de José Martí

Uno de los aportes más significativos de Cintio Vitier fue su dedicación al estudio de la obra de José Martí. Para él, Martí no era solo el Apóstol de la independencia cubana, sino también un pensador universal cuya ética y visión humanista podían iluminar los caminos de la nación.

Vitier se convirtió en uno de los más rigurosos intérpretes del ideario martiano. Sus investigaciones, plasmadas en obras como Ese sol del mundo moral, revelan la profundidad filosófica y espiritual de Martí, situándolo como un referente imprescindible para comprender la identidad cubana. Gracias a Vitier, la figura de Martí adquirió nuevas dimensiones, no solo como héroe político, sino como guía moral y cultural.

Versatilidad y compromiso cultural

La obra de Cintio Vitier no se limita a la crítica literaria o al ensayo. Fue también un poeta de gran sensibilidad, capaz de conjugar lo íntimo con lo trascendente. Su poesía, marcada por la búsqueda de lo absoluto, refleja una espiritualidad que dialoga con la tradición cristiana y con la experiencia cubana.

Además, Vitier se desempeñó como narrador y ensayista, demostrando una versatilidad intelectual que lo convirtió en figura clave de la cultura nacional. Su compromiso con la educación y la formación ética de las nuevas generaciones se manifestó en su labor como profesor y en su participación en proyectos culturales de gran alcance.

Legado y trascendencia

El legado de Cintio Vitier es múltiple. Como poeta, dejó una obra que se inscribe en la tradición lírica cubana con un sello personalísimo. Como crítico y ensayista, iluminó la obra de Martí y contribuyó a consolidar una visión ética de la cultura. Como miembro de la Generación Orígenes, fue parte de un movimiento que transformó la literatura cubana y la proyectó hacia el mundo.

Su vida estuvo marcada por la coherencia entre pensamiento y acción. Vitier defendió siempre la idea de que la cultura debía ser un espacio de elevación moral y espiritual, capaz de orientar a la sociedad en tiempos de incertidumbre.

Hoy, su figura sigue siendo referencia obligada para quienes buscan comprender la identidad cubana y la relación entre literatura, ética y nación.

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La delegación de la isla, encabezada por Alex Pausides, presidente de CubaPoesía y del Festival Internacional de Poesía de La Habana, llevó consigo no solo poemas, sino también la memoria de una tradición literaria que dialoga con las raíces milenarias de China. Pausides, acompañado de los poetas Ricardo Riveron de Santa Clara, Jorge Hernández Pérez, Virgilio López Lemus, entre otros intelectuales cubanos, compartió versos como:

«El arte, la literatura no tienen otra patria que no sean el lenguaje y los signos. El artista, el escritor, el poeta, tienen una única patria, la comarca natal que, expresión y suma de su etnos, de su nación, de su civilización, es también, la heredad amorosa y sustantiva con la que tributa a la humanidad toda…»

El encuentro no es únicamente un festival: es un gesto de diplomacia cultural. La presencia cubana en Luzhou reafirma una relación que se ha ido tejiendo con paciencia y afecto. En cada lectura, los versos de Pausides y de sus colegas cubanos se entrelazaron con los de poetas chinos, creando un diálogo Sur-Sur que trasciende fronteras políticas y geográficas.

Jidi Majia, anfitrión y presidente del festival, ha defendido la poesía como un espacio de diversidad y paz. Su visión de Luzhou como ciudad literaria se materializó en jornadas donde estudiantes escuchaban atentos, donde las antologías bilingües circulaban como semillas de futuro, y donde la palabra se celebraba como patrimonio común de la humanidad.

Cuba y China: versos compartidos

La relación entre ambos países se ha fortalecido en el terreno editorial: la Colección Sur en Cuba ha publicado antologías de poesía china, mientras que en China se han traducido y difundido obras de autores cubanos como Nicolás Guillén. Este intercambio editorial se refleja en el festival, donde los libros son tan protagonistas como los poetas.

La presencia de Cuba en Luzhou no es solo un acto cultural: es una declaración de principios. La poesía cubana, con su carga histórica y social, se proyecta en Asia como símbolo de resistencia y creatividad. Al mismo tiempo, la acogida china demuestra que la poesía sigue siendo un lenguaje universal capaz de tender puentes en tiempos de incertidumbre global.

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La iniciativa nació en el Seminternado “Dalquis Sánchez Pupo”, pero pronto se expandió a otras escuelas y rincones del municipio. Bajo la dirección de Maylen Alfonso García y la coordinación de Yaquelin Córdova Rodríguez, Roxana Figueredo Cruz y Delsis Lizandra Hernández López, el proyecto se ha consolidado como un espacio integral que abraza las cuatro grandes manifestaciones artísticas: danza, teatro, música y artes plásticas. Cada taller, cada ensayo y cada presentación es una oportunidad para que los pequeños artistas descubran su potencial y lo compartan con la comunidad.

Lo más interesante es que este proyecto no se queda encerrado en un salón de clases. Sus actividades llegan a barrios, teatros, hospitales, hogares maternos y hasta casas de ancianos. El arte se convierte en puente, en compañía, en medicina espiritual. Porque aquí no se trata solo de formar artistas, sino de sembrar valores: disciplina, cooperación, respeto y, sobre todo, sentido de pertenencia cultural.

La Casa Municipal de Cultura “Manuel Dositeo Aguilera Ochoa” y la Brigada de Instructores de Arte José Martí han sido pilares fundamentales para garantizar la calidad y sostenibilidad de esta propuesta. Con su apoyo metodológico y técnico, el proyecto ha podido mantener un enfoque estructurado, evaluando avances y resultados con rigor, pero sin perder la frescura y la alegría que caracteriza a sus protagonistas.

Los resultados hablan por sí solos: espacios permanentes para la práctica artística, niños y adolescentes que se convierten en promotores culturales en sus comunidades, talleres que potencian la creatividad y presentaciones que fortalecen la educación estética de todo un municipio. Y detrás de cada logro, un equipo comprometido que cree en la fuerza transformadora del arte.

La viabilidad del proyecto está garantizada por la infraestructura disponible —aulas, salones, teatros— y por la experiencia acumulada en estos ocho años de trabajo. Pero lo que realmente asegura su continuidad es el entusiasmo de los participantes y el apoyo de las familias y la comunidad. Aquí, el arte no es un lujo, es una necesidad compartida.

Un aspecto que merece destacarse es el enfoque de género. “Pequeños Artistas, Gigantes de Corazón” abre sus puertas a todos por igual: niñas, niños, adolescentes, mujeres y hombres. La equidad no es un discurso, es una práctica cotidiana. En cada danza, en cada obra de teatro, en cada mural, se reconocen y valoran los aportes diversos, contribuyendo a cerrar brechas y a construir un espacio inclusivo.

El sistema de seguimiento y evaluación también es clave. No se trata de improvisar, sino de medir la participación, registrar actividades y analizar indicadores de desempeño. La retroalimentación constante permite ajustar la planificación y mejorar la ejecución, asegurando que el proyecto siga creciendo y respondiendo a las necesidades de la comunidad.

 “Pequeños Artistas, Gigantes de Corazón” es mucho más que un proyecto sociocultural. Es un movimiento que ha sabido convertir la creatividad en herramienta de transformación, la disciplina en camino de crecimiento y la cultura en un bien común. Es la prueba de que el arte, cuando se comparte desde la infancia, no solo forma artistas, sino ciudadanos sensibles, comprometidos y orgullosos de su identidad.

Y es que en Holguín, gracias a este proyecto, los escenarios no tienen límites: pueden ser un aula, un parque o un hospital. Lo importante es que siempre habrá un niño o una niña dispuesto a cantar, bailar, actuar o pintar, recordándonos que el arte es, al final, la manera más hermosa de crecer juntos. 

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Este episodio del Podcast Encuentro es dedicado a su vida y obra:

Un origen humilde, una obra inmensa

Nacido en La Habana en 1922, Portillo de la Luz comenzó su vida laboral como pintor de brocha gorda. Sin embargo, la música lo reclamó pronto. Autodidacta en la guitarra, encontró en las cuerdas un lenguaje para expresar lo que las palabras no alcanzaban. Su sensibilidad lo llevó a componer canciones que, desde la primera nota, transmitían una verdad emocional difícil de ignorar.

En una Cuba marcada por la efervescencia cultural, Portillo se convirtió en uno de los fundadores del filin. Este estilo, influenciado por el jazz y la canción norteamericana, aportó nuevas armonías y un modo de interpretar que privilegiaba la cercanía y la sinceridad. El filin no era solo música: era conversación, era confidencia, era sentimiento compartido.

Éxitos que se volvieron universales

Entre sus composiciones más célebres se encuentran “Contigo en la distancia”, “Tú, mi delirio”, “Noche cubana” y “Realidad y fantasía”. Estas canciones no tardaron en cruzar fronteras y ser interpretadas por voces de distintas latitudes. Nat King Cole, José José, Luis Miguel, Christina Aguilera, Plácido Domingo y Caetano Veloso son solo algunos de los artistas que encontraron en la obra de Portillo un repertorio capaz de dialogar con públicos diversos.

La universalidad de sus canciones radica en su capacidad para convertir lo íntimo en universal. Portillo hablaba del amor, del deseo, de la nostalgia, pero lo hacía con un lenguaje poético que trascendía culturas. Por eso, sus temas se grabaron en múltiples idiomas y se convirtieron en clásicos del repertorio internacional.

La repercusión del filin

El aporte de Portillo al filin fue decisivo. Mientras otros compositores se mantenían en la estructura tradicional del bolero, él introdujo armonías complejas, cercanas al jazz, y una interpretación que privilegiaba la emoción sobre la técnica. El resultado fue un estilo que renovó la canción cubana y que influyó en generaciones posteriores de trovadores y cantautores.

El filin representó una ruptura y, al mismo tiempo, una continuidad. Rompía con la rigidez del bolero clásico, pero mantenía su esencia romántica. En ese equilibrio, Portillo encontró un espacio para desplegar su talento y dejar una huella imborrable.

Reconocimientos y legado

La trascendencia de su obra fue reconocida en múltiples ocasiones. En 2004 recibió el Premio Nacional de Música en Cuba, y en España se le otorgó el Premio Latino a Toda Una Vida. Estos galardones no solo celebraban su trayectoria, sino también el impacto cultural de su música en el ámbito internacional.

Hoy, hablar de César Portillo de la Luz es hablar de un símbolo de la identidad cubana. Sus canciones siguen siendo interpretadas, versionadas y estudiadas, porque en ellas se encuentra una síntesis perfecta entre tradición y modernidad, entre lo local y lo universal.

César Portillo de la Luz no fue simplemente un compositor de boleros: fue un creador de atmósferas, un narrador de emociones y un innovador que supo darle al bolero una nueva dimensión. Su obra en el filin abrió caminos para que la música cubana dialogara con el mundo, y sus canciones continúan siendo referentes de sensibilidad y autenticidad.

En tiempos donde la música se consume con rapidez, volver a Portillo es recordar que la verdadera canción es aquella que se canta con el alma y se escucha con el corazón. Su legado, más de un siglo después de su nacimiento, sigue vivo en cada interpretación que rescata la esencia del filin y en cada voz que se atreve a decir, con él: “Contigo en la distancia, amada mía, estoy”.

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 Su legado va más allá de la popularidad es un aporte decisivo a la consolidación de géneros como el son, el bolero y el mambo, y a la creación de un estilo que aún hoy define la identidad sonora de Cuba. 

Desde sus inicios en Santa Isabel de las Lajas, Benny mostró una capacidad innata para absorber las raíces campesinas y convertirlas en expresión artística. Esa conexión con lo popular fue la base de su autenticidad. Cuando llegó a La Habana y posteriormente a México, no solo se convirtió en intérprete reconocido, sino en embajador de la música cubana, llevando al público internacional la riqueza de los ritmos de la Isla. 

Su paso por el Conjunto Matamoros fue fundamental: allí aprendió la disciplina de las grandes agrupaciones y se consolidó como voz líder. En México grabó temas como Yiri Yiri Bon y Mucho corazón, que mostraron su versatilidad y lo posicionaron como figura capaz de competir con los grandes intérpretes del continente. 

El regreso a Cuba lo convirtió en protagonista de la radio y la televisión. Pero su mayor aporte fue la creación de la Banda Gigante en 1953. Esta agrupación no fue solo una orquesta: fue un laboratorio musical donde Benny impulsó arreglos modernos y fusionó géneros. Con ella, el son se revitalizó, el mambo alcanzó nuevas dimensiones y el bolero se convirtió en un espacio de sofisticación. 

Canciones como Bonito y sabroso y Francisco Guayabal son ejemplos claros de cómo Benny supo narrar la vida cotidiana con ritmo contagioso. En ellas se aprecia su capacidad de convertir lo popular en arte universal. Por otro lado, temas como Cómo fue y Dolor y perdón muestran su sensibilidad para el bolero, aportando interpretaciones que aún hoy se consideran insuperables. 

Su aporte también se mide en la manera en que integró músicos jóvenes y experimentados en la Banda Gigante, creando una escuela que formó generaciones. Benny no solo cantaba: dirigía, organizaba y proponía innovaciones que enriquecieron la música cubana.  Además, Benny fue un puente entre lo tradicional y lo moderno. Supo mantener la esencia del son montuno y la guaracha, pero al mismo tiempo incorporó influencias internacionales, logrando que la música cubana se mantuviera vigente y competitiva en escenarios globales.

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Feijóo fue poeta, y en esa faceta dejó títulos como Camarada Celeste o Aventuras con los aguinaldos, donde se percibe su lirismo marcado por símbolos rurales y un lenguaje que mezcla lo culto con lo cotidiano. Pero también fue narrador, y ahí alcanzó una dimensión mayor con Juan Quinquín en Pueblo Mocho, novela que convirtió al campesino en protagonista de su propia epopeya, con humor y ternura. Ese personaje, llevado luego al cine, es hoy parte del imaginario cultural de Cuba. 

No se conformó con la literatura. Su curiosidad lo llevó al dibujo y la pintura, donde plasmó animales fantásticos, escenas rurales y figuras simbólicas. Sus exposiciones en Cuba y en el extranjero mostraron que su trazo era tan libre como su palabra. En cada cuadro, Feijóo buscaba rescatar lo popular y devolverlo transformado en arte. 

Pero si algo lo distingue es su papel como promotor cultural. Fundó la revista Signos en 1969, un espacio que se convirtió en laboratorio de pensamiento sobre la identidad cubana. Allí defendió la idea de que el arte popular no es ingenuo ni marginal, sino una forma legítima de conocimiento. Su impulso permitió que artistas campesinos y creadores populares tuvieran visibilidad y reconocimiento. 

Como ensayista, dejó estudios pioneros sobre mitología y cultura afrocubana y americana. Obras como El negro en la literatura folklórica cubana o Mitología cubana son referencia obligada para quienes buscan comprender la espiritualidad y los símbolos que conforman la identidad del continente. Feijóo entendía que la cultura es un tejido de voces y creencias, y que preservarlas era una forma de resistencia frente a la homogeneización moderna. 

Su vida fue también un ejemplo de autenticidad. No buscó fama ni academias, sino el diálogo con la raíz. En cada poema, dibujo o ensayo, se percibe la voz de un hombre que creó desde el asombro y la curiosidad, convencido de que la cultura cubana debía ser narrada desde sus propias entrañas. 

Recibió reconocimientos como la Medalla Nacional de Cultura y la Medalla Alejo Carpentier, pero su verdadero premio está en la memoria colectiva. Murió en La Habana en 1992, dejando una obra inmensa y diversa que aún hoy se estudia y se celebra. 

Samuel Feijóo fue, como lo definió La Jiribilla, “el personaje más versátil de la cultura cubana del siglo XX”. Su legado es un mapa para entendernos: un canto a la tierra, al mito y al hombre común convertido en creador. Su obra nos recuerda que la cultura no es solo erudición, sino también imaginación, trabajo y espíritu popular. 

En definitiva, Feijóo fue un artesano de la palabra y la imagen, un hombre múltiple que supo transformar lo cotidiano en arte y lo popular en patrimonio. Su vida y obra siguen siendo una invitación a mirar la cultura cubana con ojos curiosos, abiertos y profundamente humanos. 

El podcast Encuentro dedica este episodio a Samuel Feijóo

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Benito Antonio Fernández Ortiz, conocido universalmente como Ñico Saquito, nació el 13 de febrero de 1901 en Santiago de Cuba y murió en La Habana el 4 de agosto de 1982. Su infancia en el barrio del Tivolí, crisol de culturas y ritmos, marcó su destino musical. Sin formación académica, aprendió en los puertos, mercados y bares, donde descubrió que “la música no se escribe, se vive”. Ese aprendizaje empírico lo convirtió en un cronista de la vida cotidiana cubana, capaz de transformar la ironía popular en poesía sonora. A su sonoridad se dedica el nuevo episodio del podcast Encuentro.

De Santiago a La Habana: el nacimiento de un estilo

En los años veinte, Saquito se integró al círculo de trovadores de la calle Heredia, compartiendo con Sindo Garay y Manuel Corona, pero pronto se apartó del romanticismo trovadoresco para abrazar la guaracha y el son montuno. En 1934 fundó el Cuarteto Saquito, con el que grabó clásicos como María Cristina, Al vaivén de mi carreta y Adiós compay gato. Estas piezas, llenas de doble sentido y crítica social, trascendieron fronteras y consolidaron su fama como el guarachero de Oriente.

Durante los años cuarenta y cincuenta, Saquito alcanzó su madurez artística con Los Guaracheros de Oriente, agrupación que llevó su música a Venezuela, Puerto Rico, México y Nueva York. En sus giras, no solo exportó canciones, sino una filosofía de vida: la música como celebración colectiva y resistencia cultural. Su obra se convirtió en un espejo de la cubanía desenfadada, donde el humor servía para enfrentar la adversidad.

Exilio, regreso y legado

El triunfo de la Revolución en 1959 lo sorprendió fuera de Cuba. Vivió en Venezuela y Puerto Rico hasta su regreso definitivo en los años setenta. En La Habana, desde su apartamento en el Vedado, recibió a jóvenes músicos que lo consideraban un maestro. Su influencia se extendió a agrupaciones como Los Van Van y a la Nueva Trova, donde su estilo conversacional y su economía poética dejaron huella.

Saquito entendió el humor como una forma de resistencia. Sus letras, llenas de sobreentendidos y choteo, reflejan la capacidad del cubano para reírse de sí mismo y de sus circunstancias. Como señaló Samuel Feijóo, su obra es una “catarsis nacional”, donde la risa se convierte en arma contra la frustración y el autoritarismo.

A más de cuatro décadas de su muerte, Ñico Saquito continúa siendo referencia obligada de la música popular cubana. Su voz, su guitarra y su ingenio sobreviven en cada guaracha que invita a bailar y pensar. Escucharlo hoy es reencontrarse con una Cuba que canta sus penas con alegría y convierte la ironía en arte.

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Este emblemático escenario de la capital cubana ha sido testigo de presentaciones de artista nacionales e internacionales. A él dedicamos este episodio del podcast Encuentro.

El estreno del anfiteatro fue con la zarzuela Cecilia Valdés, por su propio creador Gonzalo Roig, posteriormente el público disfrutar de las presentaciones de Rita Montaner, Benny Moré, Rosita Fornés, Libertad Lamarque, así como puestas como el Fantasma de la ópera, La vuelta al musical en 70 minutos y El Rey León, distinguieron este peculiar recinto que tanto honra a la ciudad capital.

Como datos curiosos debemos mencionar que el lugar forma parte del área donde surgió la primera villa de La Habana, uno de los sitios fundacionales más importantes del país. Además durante las excavaciones arqueológicas aparecieron restos de antiguas construcciones coloniales que permitieron reconstruir parte de la evolución urbana del puerto.

El escenario está diseñado para integrarse visualmente con la bahía, de modo que el paisaje se convierta en parte del espectáculo. Su ubicación permite contemplar simultáneamente tres símbolos patrimoniales de La Habana: la bahía, el Morro y La Cabaña.

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En un mundo donde lo digital avanza a pasos agigantados, la BNJM ha sabido equilibrar tradición e innovación, convirtiéndose en un referente imprescindible para investigadores, estudiantes y amantes de la cultura. Acompáñanos en este recorrido de la historia de una institución con más de 100 años.

PODCAST ENCUENTRO

De un castillo colonial a la Plaza de la Revolución: una historia de resistencia

Los inicios de la Biblioteca Nacional fueron modestos: 3.000 volúmenes donados por su primer director, Domingo Figuerola Caneda, marcaron el arranque de una colección que hoy supera el millón de piezas. Pero el camino no fue fácil. Incendios, traslados precipitados y la humedad del trópico pusieron en riesgo tesoros irrepetibles.

Fue en 1952 cuando se colocó la primera piedra del edificio actual, en la emblemática Plaza Cívica (hoy Plaza de la Revolución), por iniciativa del intelectual Fernando Ortiz y en honor al natalicio de José Martí.

Cinco años después, en 1957, la institución se mudó a su sede definitiva: una torre de 15 pisos diseñada con criterios modernos de iluminación, conservación y acceso público.

Tras el triunfo revolucionario de 1959, la doctora María Teresa Freyre de Andrade redefinió su misión: ya no bastaba con guardar libros; había que democratizar el conocimiento.

Así nacieron departamentos especializados, la Escuela de Técnicos de Bibliotecas (1962) y una red nacional que llevó servicios bibliotecarios a los rincones más apartados del país.

Salas que son mundos: un viaje por sus colecciones especializadas

Una de las grandes fortalezas de la BNJM es su organización por salas temáticas, cada una con identidad propia y fondos únicos. Aquí algunas que no te puedes perder:

– Colección Cubana «Antonio Bachiller y Morales»: El corazón del patrimonio bibliográfico nacional. Aquí se resguardan libros, folletos y prensa de los siglos XVIII y XIX, además de la invaluable Colección Martiana.

– Sala de Música «León-Murguecia»: Un paraíso para melómanos. Conserva partituras manuscritas originales de Nicolás Ruiz Espadero y Gaspar Villate, así como la obra completa de Ernesto Lecuona.

– Sala de Arte «Wifredo Lam» y Sala de Etnología «Fernando Ortiz»: Espacios dedicados a las artes visuales y las raíces culturales afrodescendientes e indígenas de Cuba.

– Sala «Frank Emilio» para personas con necesidades especiales: Un ejemplo de inclusión, con recursos adaptados para garantizar el acceso universal al conocimiento.

Para acceder a estos fondos, basta con registrarse como usuario y solicitar el carné correspondiente. El personal especializado está siempre dispuesto a guiar tu búsqueda.

Del papel a la pantalla: la transformación digital de la BNJM

En la era de la inmediatez, la Biblioteca Nacional no se ha quedado atrás. Desde el año 2000 impulsa su Biblioteca Digital, que permite consultar en línea parte de su patrimonio documental.

Además, forma parte de redes internacionales como la Biblioteca Digital del Patrimonio Iberoamericano (BDPI) y dLOC, ampliando el acceso global a sus colecciones.

Aunque los desafíos tecnológicos y económicos persisten —especialmente tras la crisis de los años 90—, la institución ha reiniciado publicaciones clave como la Revista de la Biblioteca Nacional y fortalecido sus catálogos en línea.

Más que libros: por qué la BNJM sigue siendo relevante hoy

En tiempos de desinformación y contenidos efímeros, la Biblioteca Nacional de Cuba representa un faro de rigor, preservación y acceso crítico al conocimiento. No solo custodia el pasado: impulsa talleres, conferencias, exposiciones y programas de lectura que forman nuevas generaciones de ciudadanos conscientes.

Como escribió el poeta Miguel Ojeda en un homenaje reciente:

«Biblioteca Nacional / con Cuba como apellido». Esa esencia —ser guardiana y promotora de la identidad cubana— es lo que la mantiene viva, útil y necesaria.

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El nuevo episodio del Podcast Encuentro es dedicado a Teresita Fernández:

Su debut oficial como cantautora ocurrió en 1965 en la Sala Arlequín de La Habana, en un concierto donde compartió escenario con figuras como Sindo Garay y Bola de Nieve. Pero mucho antes ya había dejado huella en la televisión cubana con el programa infantil La casita de azúcar (1960), donde los títeres Pitusa y Eusebio se convirtieron en compañeros inseparables de su música. Desde entonces, Teresita se consolidó como una artista que no solo cantaba, sino que enseñaba, narraba y transmitía valores a través de sus canciones.

La música como pedagogía

Lo que distingue a Teresita Fernández dentro de la tradición trovadoresca cubana es su capacidad para convertir la canción en un recurso pedagógico. Sus temas infantiles, como “Mi gatico Vinagrito”, “Dame la mano y danzaremos” o “Tin, tin, la lluvia”, se convirtieron en clásicos que aún hoy se cantan en escuelas y hogares. En ellos no solo hay melodía y ritmo, sino también un mensaje de ternura, curiosidad y aprendizaje.

Además, musicalizó textos de grandes poetas como José Martí y Gabriela Mistral, acercando la literatura a los más pequeños. De esa manera, su obra se inscribe en un triángulo latinoamericano de maestros de la canción infantil junto a Francisco Gabilondo Soler, “Cri-Cri”, en México, y María Elena Walsh en Argentina. Cada uno, desde su país, demostró que la música para niños podía ser arte mayor y no un género menor.

La Peña de los Juglares

En 1974 fundó la célebre Peña de los Juglares en el Parque Lenin, un espacio cultural dominical que se convirtió en punto de encuentro para artistas de diversas disciplinas. Allí se dieron cita Alicia Alonso, Pablo Milanés, Antonio Gades y muchos otros. La peña no era solo un escenario musical, sino un espacio de diálogo cultural, donde la canción se mezclaba con la danza, el teatro y la poesía.

Ese espíritu integrador refleja la visión de Teresita: la cultura como un tejido colectivo, donde cada manifestación artística se nutre de la otra y donde los niños ocupan un lugar central.

Reconocimientos y legado

Su trayectoria fue reconocida con el Premio Nacional de Música en 2009, además de la Distinción por la Cultura Nacional y la Distinción por la Educación Cubana. También recibió el Premio Chamán en México y la Réplica del machete de Máximo Gómez, símbolos de respeto y admiración hacia su obra.

Pero más allá de los galardones, su verdadero premio fue el cariño de generaciones de cubanos que crecieron con sus canciones. Teresita supo que la música infantil no era un entretenimiento pasajero, sino una forma de sembrar valores y sensibilidad en los más jóvenes.

Influencia en otros artistas

Su legado se proyecta en la obra de trovadores posteriores. Silvio Rodríguez encontró en Teresita un espacio para mostrar sus primeras composiciones, y Liuba María Hevia ha reconocido que su acercamiento a la música infantil estuvo marcado por la influencia de la trovadora mayor. También artistas como Sara González, Amaury Pérez y Pablo Milanés participaron en homenajes discográficos que rescataron su repertorio, demostrando que su obra sigue viva en la nueva trova y en la canción cubana contemporánea.

Recordar a Teresita Fernández es recordar a una mujer que convirtió la música en un acto de amor y enseñanza. Su voz, cálida y cercana, sigue resonando en las aulas, en los parques y en los hogares cubanos. Fue una artista que entendió que la infancia merece canciones inteligentes, sensibles y poéticas, y que esas canciones pueden acompañar a los niños en su crecimiento.

Hoy, cuando se habla de patrimonio cultural cubano, su nombre aparece junto al de los grandes trovadores. Pero Teresita tiene un lugar especial: el de haber cantado para los más pequeños, sembrando en ellos la semilla de la curiosidad y la ternura. Su obra nos recuerda que la música infantil es también música mayor, y que en cada verso suyo late la certeza de que educar y cantar son, en esencia, la misma cosa.

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